El Blog de Scotty

Premios Goya 2012

2012-01-10T17:53:00.004+01:00

Abajo de esta página podemos votar nuestros propios ganadores

Las nominaciones a los Goya de 2012repite la habitual tendencia de la Academia de aglutinar en unospocos títulos casi todas las disciplinas aspirantes a premio. Bien:admitamos que nuestra cinematografía no se destaca precisamente porla abundancia de rodajes, pero sí que son muchos más de la decenaescasa de los que son seleccionados para uno u otro apartado.

Las sorpresas de títulos en liza tampoco esque sea la tónica general de estas nominaciones. Y las películaspremiadas finalmente, pese a que pueda aparentar lo contrario,tampoco. Generalmente no son las grandes producciones las másacaparadoras, al menos en los premios importantes. Parece que la Academia quisiera compensar o equilibrar las de menor repercusióntaquillera. Bajo esta premisa, las películas más modestasparece que tienen más posibilidades de alzarse con los mejores premios.

La razón de que esto seaasí puede interpretarse como un apoyo explícito a ese cine que,siendo de una calidad incuestionable, necesita un empujoncito extraen forma de Goyas para intentar igualarlos en interés mediático a las producciones más sobresalientes yque el público no vaya a ver solamente lo más obvio.

De los nominados este año,lo más obvio es encontrarnos entre las cuatro finalistas a La piel quehabito o No habrá paz para los malvados.¿Quién no esperaba que estuvieran nominadas? En mi opinión, esestimulanate que de las elegidas en los apartados de mejorpelícula figuren mitad y mitad (grandes éxitos y cintas menospopulares), como ocurre este año y otros años. Tanto Blackthorn comoLa voz dormida han pasado por las carteleras casi depuntillas y, lo más decepcionate, también por la críticaespecializada. Esta nominaciones van a proporcionarales sin duda una nueva oportunidad.

Tengo que confesar que tantoMateo Gil como Benito Zambrano sí son santos de mi devoción y que suspelículas están entre las que más me han interesado de las que he visto este año. La de Enrique Urbizu también estáentre mis preferidas pero no así La piel que habito,otra nueva boutade made in Almodóvar que, vaya usted a saberpor qué misterios, siempre acaba en encandilando al mundo exterior,principalmente a franceses y americanos.

En España, Almodóvar no secome muchas roscas, pero quien manda, manda, y si los franchutes olos hijos del Tío Sam les dan su bendición, aquí estamosobligados al menos a nominarlo en nuestros particulares Oscar. Locontrario sería quedar como catetos y excluyentes por envidiosos. Yase sabe: la envidia es el deporte nacional y nadie quiere queparezca que lo practicamos. Y tenerlo en cuenta, aparte de justo,es una bauena estrategia. Como ya ha quedado demostrado, a lo largo de su carrera Almodóvar nosdio alguna que otra bofetada al ser ignorado aquí y premiado fuera de casa. Guardemos las debidas precauciones.

En las presentenominaciones, si queremos mojarnos y desvelar cuales son nuestraspreferencias particulares, en lo que a mi respecta tengo que decirque las reivindicaciones que los académicos hacen de losinjustamente minusvalorados por la crítica y las plateas (los Mateo Gily Benito Zambrano de Blackthorn y La vozdormida), me solidariza con unos premios que se esfuerzanpor ser conciliadores y, a pesar de dejar solo en la pedrea apelículas tan interesantes como Eva o Primos,la Academia sabe hacer guiños al cine más arriesgado, animándolo ano desfallecer.

Ni todas las películas, nitodos los directores, ni todos los actores, etc. pueden ser nominadosdadas las reglas de seleccionar solo cuatro en cada apartado. Perocomo ya he dicho más arriba los premios deberían diversificarse unpoco más y agraciar, al menos en los premios de consolación, aotros profesionales y a otras otras películas.

Aun así estoy básicamentede acuerdo con las nominaciones del año pese aque, obviamente, no hevisto todo lo que ha rodado.

Pero ver todas las películas nominadas es algo a que sí están obligados ( odeberían estarlo) la totalidad de los académicos que votan. Ellos tiene la última palabra.

Y para adelantarnos a losacontecimientos, voy a poner una quiniela y que los lectores delblog que quieran votar, elijan.

Podemos decir entre todos quienes son nuestros ganadores en los apartados más significativos. Laselección, al final de esta página, espera nuestros votos. Así pues... Pasen y voten.

Todaslas nominaciones

Película

Blackthorn
La piel que habito
La voz dormida
No habrá paz para los malvados

Dirección

Benito Zambrano por La voz dormida
Enrique Urbizu por No habrá paz para los malvados
Mateo Gil por Blackthorn
Pedro Almodóvar por La piel que habito

Dirección novel

Eduardo Chapero-Jackson por Verbo
Kike Maíllo por Eva
Paco Arango por Maktub
Paula Ortiz por De tu ventana a la mía

Guión original

Enrique Urbizu y Michel Gaztambide por No habrá paz para los malvados
Martí Roca, Sergi Clemente y Aintza Serra por Eva
Miguel Barros por Blackthron
Woody Allen por Midnight in Paris

Guión adaptado

Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca y rosanna Cecchini por Arrugas
Benito Zambrano e Ignacio del Moral por La voz dormida
Icíar Bollaín por Katmandú, un espejo en el cielo
Pedro Almodóvar por La piel que habito

Interpretación masculina

Antonio Banderas por La piel que habito
Daniel Brühl por Eva
José Coronado por No habrá paz para los malvados
Luis Tosar por Mientras duermes

Interpretación femenina

Elena Anaya por La piel que habito
Inma Cuesta por La voz dormida
Salma Hayek por La chispa de la vida
Verónica Echegui por Katmandú. Un espejo en el cielo

Interpretación masculina de reparto

Juan Diego por 23-F La película
Juanjo Artero por No habrá paz para los malvados
Lluís HOmar por Eva
Raúl Artero por Primos

Interpretación femenina de reparto

Ana Wagener por La voz dormida
Goya Toledo por Maktub
Maribel Verdú por De tu ventana a la mía
Pilar López de Ayala por Intruders

Actor revelación

Adrián Lastra por Primos
Jan Cornet por La piel que habito
José Mota por La chispa de la vida
Marc Clotet por La voz dormida

Actriz revelación

Alba García por Verbo
Blanca Suárez por La piel que habito
María León por La voz dormida
Michelle Jenner por No tengas miedo

Película de animación

Arrugas, dirigida por Ignacio Ferreras
Carthago Nova, dirigida por Primitivo Pérez y José María Molina
Papá, soy una zombi, dirigida por Ricardo Ramón y Joan Espinach
The little Wizard. O ago Dubidoso, dirigida por Roque Cameselle

Película documental

30 años de oscuridad, dirigida por Manuel Hidalgo Martín
El cuaderno de barro, dirigida por Isaki Lacuesta
Escuchando al Juez Garzón, dirigida por Isabel Coixet
Morente, dirigida por Emilio Ruiz Barrachina

Película iberoamericana

Boleto al paraíso (Cuba), dirigida por Gerardo Chijona
Miss Bala (México), dirigida por Gerardo naranjo
Un cuento chino (Argentina y España), dirigida por Sebastián Borensztein
Violeta se fue a los cielos (Chile), dirigida por Anfrés Wood

Película europea

Carnage (Francia, Alemania y Polonia, dirigida por Roman Polanski
Jane Eyre (Reino Unido y EE. UU.), dirigida por Cary Fukunaga
Melancholia (Dinamarca, Suecia, Francia y Alemania), dirigida por Lars von Trier
The Artist (Francia), dirigida por Michel Hazanavicius

Los siete samurais (Cine Nostalgia)

2011-12-27T16:48:00.002+01:00

La universalidad del Japón feudal

Los siete samurais es unapelícula fundamental en la historia de cine de la que en laactualidad, incompresiblemente se habla bien poco. Quizás ya estétodo dicho de ella. Creo que, en todo caso, la mayoría de losespectadores lo que sabemos básicamente es que esta obra de Kurosawainspiró uno de los más grandes westerns que se hayan hecho nunca.Como esta afirmación puede ser discutible, digamos al menos que Lossiete magníficos fue sin discusión uno de los westerns máspopulares.

Aunque Los siete samuraises mucho más que la inspiración de otra gran película. AkiraKurosawa estaba considerado uno de los más grandes directores delmundo pero sobretodo era conocido por ser también el más occidentalde todos los directores orientales. En unos años en que todavía nise intuía lo que más tarde se dio en llamar “globalización”las barreras culturales eran tan férreas que todo lo que viniera delEste era visto y valorado como algo exótico pero alejado de nuestrascostumbres y de nuestra idiosincrasia.

Kurosawa abrió la brecha por la quedespués se colarían otros directores a uno y otro lado del murocultural que separaba Oriente y Occidente pero, sobretodo, trajo alos cineastas occidentales una gran diversidad de ideas y de temas yaimplícitas en su cine que fueron aprovechas a saco por elfagotizador entramado industrial de Hollywood.

Se ha dicho, y muy acertadamente, queLos siete samurais creó un genero. Después de ella elcine se inundó de historias en las que un grupo determinado dehombres que, por diversos motivos, forman un equipo para llevar acabo una arriesgada misión. Tras la adaptación al western deLos siete samurais en la fundamental Los sietemagníficos, llegaron en tromba películas que aprovecharonla idea seminal del gran film de Kurosawa y así se entendieron,entre otras, Doce del patíbulo, Los cañones deNavarone, La gran evasión, Los violentosde Kelly y muchas más.

Los siete samurais no fuela única película de Kurosawa que “creó género”. Recordemosque el spaguetti western toma carta de naturaleza con otra adaptaciónde una película de Kurosawa, Yojimbo, o que Lamuerte tenía un precio también podía interpretarse comouna película de samurais. La guerra de las galaxias, obra también fundacional, tiene como precedente otra película deKurosawa, La fortaleza escondida.

Según Kurosawa, su idea al hacer Lossiete samurais era contar una historia anclada en lo másprofundo de la cultura japonesa y reivindicar con ella un humanismointemporal de alcance universal que cuestionara y modernizara lasrígidas tradiciones todavía imperantes en su país.

Lossiete samurais de la historia aceptan un trabajo queconsiste en ayudar a una aldea miserable acosada por unos bandidosque la extorsina. Aceptan el trabajo cobrando por ello únicamente unplato de arroz al día. ¿Cómo es que aceptan por tan pocarecompensa arriesga sus vidas?. Arriesgar sus vidas como mercenarioses su naturaleza, pero por primera vez aparecen como sereshumanizados, sensibles y altruistas.

Se dice que la perseverancia en elcumplimiento de las obligaciones o de las decisiones tomadas esconsustancial en la naturaleza de “lo japonés” y eso lo vemostanto en la constancia con que los samurais defienden a los aldeanoscomo en la inquebrantable actitud de los bandidos en imponer sudominio y extorsión a los campesinos, pese a la férrea defensa delos guerreros samurais, entablando una batalla que solo terminarácon el triunfo o la muerte.

Las escenas de acción de Lossiete samurais crearon también escuela. La acción es uno delos puntos fuertes de Kurosawa y sus personajes en Los sietesamurais se mueven vertiginosamente, artísticamente, en susluchas y peleas utilizando las armas y sus propios movimientos comosi de una coreografía se tratara. Más que guerreros parecendanzarines ejecutando visualmente un sinfonía.

En Los siete samurais haymuchas muertes, ejecuciones... la violencia es la protagonista, peroel tema es en realidad el de la justicia y el compromiso ético. Másde la mitad de los samurais pierden la vida en esa defensa numantinadel poblado de campesinos, era el riesgo asumido al aceptar el“trabajo”. Pero los propios aldeanos les conminanaban a abandonarenseguida la aldea una vez han acabado su misión. No quieren aprofesionales de la violencia entre ellos. Pese a su gesto decompromiso y nobleza, el grupo sigue siendo rechazado por el comúnde la sociedad.

El cine de Kurosawa comienza con Lossiete samurais un discurso que ya no abandonará en toda su carrera:el ser humano cono individualidad no cuenta. Su misión es ser uninstrumento de la comunidad a la que se debe en cuerpo y alma. Vistahoy, Los siete samurais no ha perdido ni un ápice de su grandeza.

Judas Iscariote en el cine español

2011-12-24T16:57:00.003+01:00

Judas, personaje clave del cine religioso franquista.

Esta noche será Nochebuena (y mañanaNavidad...). Para creyentes y no creyentes, es una fecha que losoccidentales celebramos más o menos activamente. Unos por conviccióny otros por tradición. O por respeto a las normas imperantes en lasociedad en general.

El cine ha dedicado a lo largo de suhistoria muchas películas a la Vida, Pasión y Muerte de Jesucristo.Por ser la fecha que es quisiera recordar aquí un hecho tanincuestionable que al mismo tiempo que me sirve para desear a todosuna feliz Navidad. No hace falta ser creyente para, de alguna forma,disfrutar de estas películas que tratan sobre la Pasión.

Pero quiero ser un poco original yhacerlo de forma algo diferente. Nuestro protagonista va a ser JudasIscariote, en vez de Jesucristo, y nos vamos a atener a la visiónque el cine español ha dado del personaje en dos películasemblemáticas del pleno apogeo religioso del cine franquista, queno fue otro que la década de los años cincuenta.

El beso de Judas (anónimo)

En el año 1952 Ignacio F, Iquino, eldirector más oportunista del cine español, se apuntó a la modareligiosa en varias ocasiones y entre ellas realizó un curiosísimapelícula que trascendía la moda imperante y se erigía en undocumental insólito sobre una peculiar forma de entender la Pasión. La tradición (que arranca en el siglo XIV) de representar laPasión en vivo con personajes locales, gente normal del pueblo semantiene viva todavía en el pueblo barcelonés de Esparraguera,donde rodó una de sus películas más personales: El Judas.

El argumento de El Judasestá basado en esta tradición y va de un vecino que suelerepresentar a Judas en la representación de cada año y que, enaproximada simbiosis con el personaje, se trata de un hombre mezquinoy sin escrúpulos que es capaz de vender y traicionar a quienenvidia. En este caso al vecino del pueblo que suele representar aJesús, papel que sueña con hacerlo él.

Para conseguirlo, acusa de ladrón aquien hace de Jesús. Consigue que el pueblo lo crea y lo repudie yasí hacerse con el papel soñado. Ni que decir tiene que se sale conla suya, pero después vendrán los remordimientos, elarrepentimiento y la redención. Como particularidad, El Judasse rodó aprovechando la representación auténtica y dandoprotagonismo a los actores del pueblo, no profesionales.

Dos años más tarde (1954) Rafael Gilse centra también en el personaje de Judas para explicar los SantosEvangelios en el apartado concreto de la Pasión de Jesús y es Judasde nuevo el protagonista en detrimento del Hijo de Dios que, tambiénaquí, aparece en un muy segundo plano. La película se rodó en laprovincia de Murcia, concretamente en parajes de Lorca y de Águilasy se tituló El beso de Judas

Por aquellos años se rodaron también, La guerra de Dios (1953) y El canto del gallo(1955) ambas de Rafael Gil que, junto al valenciano Vicente Escrivá,fueron los adalides del nacional catolicismo en las pantallas deentonces. Los dos, como también hiciera Iquino, se apuntaron en losaños setenta al cine erótico más chabacano. Adaptarse a lo quehiciera falta fue el santo y seña de los directores más afectos alRégimen durante el apogeo del franquismo.

El prendimiento (Caravaggio, 1602) con Judas en "primer plano".

Ver hoy estas películas puedesorprender, pero no hay que negarles una profesionalidad a ambosdirectores. Justo lo contrario de lo que hicieron después con elcine erótico, auténticos bodrios oportunistas que buscaron lataquilla sin disfrazar para nada las formas.

The artist

2011-12-17T18:53:00.003+01:00

Principio y final

No es ninguna originalidad decir queThe artist es la gran sorpresa cinematográfica de latemporada, pero considero que lo es. Todas las expectativas secumplen y me encuentro con la película que más me ha interesado detodas las vistas durante lo que va de año, y ya queda muy poquitopara que este acabe. Estamos pues ante una de las propuestas másoriginales y arriesgadas de los últimos años, que se resuelve deuna forma brillantísima sorteando dificultades que sobre el papelhabrían echado para atrás a directores menos atrevidos. Hace faltadesde luego creer en un proyecto así y defendelo con la pasión y elcariño con que lo hace el francés Michel Hazanavicius del que, hede confesarlo no le había visto hasta ahora ninguna de las pocaspelículas con que cuenta su filmografía.

Hazanavicius se sumerge en el cine quese hacia en los años de la transición del mudo al sonoro y atrapatoda la magia que aquellas películas destilaban asombrándonos yhaciéndonos participes del estupor y la pasión que debieron sentirlos espectadores de la época. Bastan las primeras secuencias de Theartist, esas en las que en un cine abarrotado se conjuganlas imágenes de la pantalla y la música de la orquesta que lasilustran (ante un público entregado y ataviado con sus mejoresgalas, las reservadas para un acontecimiento social de altura) paraentender lo que significó el nacimiento del cine como nueva forma deexpresión artística y de entretenimiento.

Al margen de sus evidentesconnotaciones documentales sobre la importancia que el cinematógrafoiba a tener en el futuro cambiando de forma radical las formas deentretenimiento del mundo entero, The artist es unapelícula empapada de amor y de sensibilidad que recrea la esenciade aquellas películas pioneras que nos asombraron reproduciendo conuna autenticidad asombrosa lo que debió ser (lo que fue, lo sabemospor las películas que todavía podemos admirar de aquella época) elmundo del cine de aquel momento, tanto dentro como fuera de laspelículas que se hicieron entonces.

The artist está rodadatal y como se hubiera hecho en los años en que transcurre y no hayla más mínima concesión a los adelantos que después fueroncambiando el lenguaje cinematográfico. The artist esuna película hecha ahora pero podría haber sido rodada en los añosveinte.

La historia que cuenta es típica ytópica. Ya la hemos visto infinidad de veces y, con las variantesque queramos obviar, la encontramos en casi todas las que despuésabordaron historias de las llamadas “cine dentro del cine”: unaestrella en pleno apogeo tiene que afrontar su declive y asistir a laemergente presencia del sustituto.

Las referencia más directa la podemosencontrar en la película George Cukor Hollywood al desnudo(1932) versionada después por William A. Wellman en 1937 (Hanacido una estrella), por Cukor otra vez en 1954 (Hanacido una estrella) Sidney J. Furie en 1972 (El ocasode una estrella) y por Frank Pierson en 1976 (Hanacido una estrella), amén de bastantes versiones apócrifas.

Las bazas que juega Hazanavicius son larecreación hiperrealista de unas formas de hacer cine que hoy díason casi despreciadas y que él demuestra que siguen estando tanfrescas y vigentes como entonces. Cine con mayúsculas que nosreconcilia con los orígenes del mismo y que nos demuestra que nohacen falta ni la palabra, ni el color, ni las pantallas gigantes, nilas tres dimensiones para que el cine sea cine con mayúsculas antestanto como ahora.

No solo Hazanavicuis es responsable deque The artist haya salido maravillosa. Lainterpretación, sobre todo la del actor protagonista (Jean Dujardin)juega un papel fundamental así como una delicia de banda sonora acargo de Ludovic Bource, para mi un completo desconocido al que voy aseguir la pista a partir de ahora.

The artist estará, no lodudemos, en la alfombra roja de los Oscar en más de un apartado y entodos tendrá serias posibilidades de conseguirlo.

Como curiosidad, decir que el tema deBernard Hermann para Vértigo que desde hace algúntiempo venimos escuchando en la primera entrada de El Blog deScotty es utilizado en The artist de formamagistral y conmovedora. Debemos de oírlo de fondo mientras leemosesta humilde reseña, que se queda muy corta al intentar explicar elplacer y la emoción que me ha proporcionado la visión de estamaravillosa película.

Calificación: ****

ROUTE IRISH: Ken Loach en Navidad

2011-11-28T21:21:00.001+01:00

Route Irish,la última películadel director Ken Loach, llegará a las pantallas españolas el 23 de Diciembre próximo, en unasfechas reservadas habitualmente por las distribuidoras para sus películas mástaquilleras y familiares, lo que quizás nos dé una pista sobre la importanciade esta producción británica escrita porPaul Laverty, guionista de cabecera del director. Route Irish formó partede la Sección Oficial a concurso de la 63ª edición delFestival de Cannes, quetuvo lugar del 12 al 23 de mayo. La película evoca las consecuencias de laintervención británica en Iraq. Conociendo la trayectoria de esta combativa ypolíticamente comprometida pareja de cineastas, estamos ante uno de losestrenos navideños más atípicos. Al menos, los espectadores que no tengamos queentretener a los niños podremos acudir también a las salas a ver buen cine.

Estamos en Liverpool, agosto de 1976. Fergus,de cinco años, conoce a Frankie en su primer día de colegio, y a partir de esemomento se convertirán en amigos inseparables. De adolescentes, hacen novillospara irse a beber sidra en el transbordador del río Mersey, mientras sueñan conrecorrer el mundo. Lo que Fergus no sabe es que su sueño se haría realidad como miembro altamentecualificado de las fuerzas especiales británicas SAS (Servicio Aéreo Especial).Después de darse de baja en septiembre de 2004, Fergus convence a Frankie (queen ese momento era ex paracaidista) para que se uniera a su equipo de escolta yseguridad en Bagdad: 10.000 libras al mes, libres de impuestos, su últimaoportunidad de ganar dinero en una guerra cada vez más privatizada. Juntosarriesgan sus vidas en una ciudad llena de violencia, terror y codicia, e inundadade millones de dólares estadounidenses.

En septiembre de 2007, Frankie muere en la Route Irish, la carretera máspeligrosa del mundo. De regreso a Liverpool, un desconsolado Fergus rechaza laexplicación oficial y empieza su propia investigación acerca de la muerte de suamigo del alma. Sólo Rachel, la compañera de Frankie, comprende la profundidad de la pena deFergus y el peligro de su furia. A medida que Fergus intenta descubrir lo quele pasó a Frankie en la Route Irish, él y Rachel se sienten cada vez másunidos, y cuanto más cerca se encuentra de la verdad en el caso de la muerte deFrankie, más lucha Fergus para encontrarse a sí mismo y la felicidad quecompartió con Frankie veinte años antes en el río Mersey

Comentarios de Paul Laverty

“Nos hemos familiarizado con el ritualdel regreso de los restos mortales de un soldado muerto en suelo extranjero:música solemne, la bandera nacional, escoltas y homenajes que son reproducidospor los medios de comunicación nacionales. Los políticos y los mandos militarescubren de palabras de consuelo a los desolados parientes. Pero las cosas nofueron en absoluto así para Deely, la hermana de Robert, un ex paracaidista quesufrió una emboscada en Iraq. Lo trajeron en un vuelo desde Kuwait y llegó alaeropuerto de Glasgow. El empleado de la funeraria le dijo a Deely que en elavión ese día había diez cuerpos, dos de los cuales eran inidentificables. Elataúd de Robert parecía una gran caja de madera para transportar naranjas. Nohubo fanfarrias, ni bandera nacional, ni periodistas, ni pregunta alguna. Sumuerte, que nosotros sepamos, no fue agregada a ninguna lista, por una razónmuy sencilla: Robert ya no era paracaidista, sino uno de los "contratistasprivados", o "guerreros empresariales" o "asesores de seguridad".Los iraquíes los llaman mercenar.

El negocio relacionado con la guerra está siendo privatizado de forma lenta ydeliberada ante nuestros ojos. Nos lo dicen tanto el ataúd de madera de Robertcomo las estadísticas. Patrick Cockburn, un reconocido analista, estimaba quehubo aproximadamente 160.000 contratistas extranjeros en Iraq en el momentoculminante de la ocupación, muchos de los cuales -quizá unos 50.000- eranpersonal de seguridad fuertemente armado. El curso de la guerra, y la ocupaciónsubsiguiente, habría sido imposible sin la aportación de esas fuerzas. Graciasa Paul Bremer, designado por Estados Unidos director de la AutoridadProvisional de la Coalición, todos y cada uno de los contratistas gozaron deinmunidad ante las leyes iraquíes en virtud de la Orden 17, que fue impuesta alnuevo Parlamento iraquí y que estuvo en vigor desde 2003 hasta comienzos de2009.

No hay nadie interesado en contar a cuántos civiles iraquíes han matado oherido los contratistas privados, pero hay una serie de datos que sugieren quehubo un abuso generalizado. La matanza de diecisiete civiles en medio de Bagdadpor parte de Blackwater fue el incidente más notorio, pero se produjeron muchosmás de los que no se informó. Un contratista veterano me confió que unsudafricano le había dicho que matar a un iraquí era como "matar a uninfiel". Otros contratistas más serios, orgullosos de su profesionalidad,me dijeron cuánto les asqueaba la violencia de los "cowboys". Si uncontratista se veía involucrado en un incidente que hubiera causado unescándalo, su empresa se los llevaba rápidamente del país: impunidad pordecreto

Mientras los contratistas más modestos se jugaban la vida en la Route Irish,los directores generales de esas mismas empresas se enriquecían. David Lesar,director general de Halliburton (de la que Dick Cheney fue consejero delegado),ganó casi 43 millones de dólares en 2004; Gene Ray, de Titan, más de 47millones entre 2004 y 2005, y J. P. London, de CADI, 22 millones. La clave estáen los detalles. Los contratistas privados cobraban al Ejército estadounidensehasta cien dólares por la colada de un solo soldado. En un informe oficial deenero de 2005, Stuart Bowen, Inspector General Especial para la Reconstrucciónde Iraq, reveló que más de 9.000 millones de dólares habían desaparecido debidoal fraude y la corrupción, y que eso sólo sucedió durante un periodo muy cortode la Autoridad Provisional. También impunidad financiera. Como me dijo un contratista, "aquel sitio apestaba a dinero". No essorprendente que muchos soldados mal pagados y miembros de las FuerzasEspeciales se incorporaran a esas corporaciones militares privadas, porque enello veían la oportunidad de su vida para "forrarse".

Pero esos hombres no sólo se forraban de dinero sino que se iban cargando demuchas cosas más. Ahora ya nos hemos acostumbrado a ver imágenes de matanzas,"allí". Nos hemos acostumbrado a las historias de miles de millonesde dólares desaparecidos, de avaricia empresarial, de abusos, tortura y cárcelessecretas. La revista The Lancet hace una estimación de 654.965 muertoshasta junio de 2006 que es casi imposible asimilar. Ahora todo eso parecelejano en el tiempo y el espacio. Se nos dice que nos está afectando elsíndrome de la "fatiga iraquí". Pero ese "allí" vuelve acasa, porque Iraq está en el interior de las mentes de "nuestroschicos". Me quedé atónito cuando me enteré, a través de la ONG CombatStress que trabaja con ex soldados que sufren trastorno de estrés postraumático(TEPT), de que esta dolencia tarda en manifestarse un promedio de 17 años. Estaorganización, así como en el propio Ejército de Estados Unidos, se estápreparando para un aumento considerable de casos en los próximos años.

Norma, una amable enfermera que está a punto de jubilarse y que ha pasado añosentre ex soldados, me dio el punto de partida para esta historia cuando medijo: "Muchos de estos hombres están de luto por los seres que elloshabían sido". Un ex soldado me mostró un retrato que había hecho de símismo: "Sólo quiero volver a ser el que era". Aunque la Orden 17 haya sido revocada en Iraq, su espíritu sigue imperando: elhedor a impunidad, las mentiras, el desprecio por las leyes internacionales, laerosión de las convenciones de Ginebra, las cárceles secretas, la tortura, el asesinato...los cientos de miles de muertos. Mientras me imagino a los autoresintelectuales de todo eso: Bush, Blair, Rumsfeld y compañía, recogiendo susmillones después de discursos de sobremesa y creando sus fundacionesecuménicas, no puedo por menos que acordarme de las enfermeras de Faluya queasisten partos de bebés que nacen con dos cabezas y la cara deformada gracias alas bombas químicas que cayeron sobre esa ciudad, nuestro regalo para elfuturo. Así que nos preguntamos quépasará cuando la Orden 17 vuelva a casa”.

El gato desaparece

2011-11-25T23:22:00.001+01:00

Aquí hay gato encerrado

El gato desaparece es unanueva muestra de la calidad del cine argentino actual que tiene comomayor virtud el aprovechar las evidentes carencias presupuestarias,incidiendo en argumentos e historias inmersos siempre en un contextosocial autónomo y reconocible del propio país.

Son “historias mínimas” (como reza el titulo de una de las películas del director, Carlos Sorín) delas que se saca un enorme partido gracias al meticuloso desarrollo delas descripciones psicológicas de los personajes que, bien en clavedramática o de comedia, acaban interesando siempre. Títulosrecientes como El hombre de al lado, Un cuento chino, Sinretorno, El corredor nocturno, las viudas de los jueves, etc.así lo corroboran.

El gato desaparece es unejercicio de estilo minimalista en el que se juega prácticamente condos únicos personajes (el resto son realmente secundarios) a losque se integran en una intriga psicológica con formato de thrillerpolanskiano (Repulsión, La semilla del diablo, Elquimérico inquilino) en el que la claustrofobia y laparanoia se apoderan del relato que, a su vez, atrapa al espectadoren una suerte de sutiles trampas de gestos y miradas, insinuacionesque pueden significar una cosa o la contraria, para mantenerlo envilo intentando vislumbrar dónde se encuentra el significadoverdadero de lo que se sugiere.

Un juego que requiere necesariamente del concurso de los actores que aquí están perfectos, intrigándonossobre quiénes son realmente sus personajes haciéndonos dudar de loque esconden sin dejarnos nunca la certeza de nada de lo que dejanver los mismos.

El gato desaparece remitetambién al cine de Claude Chabrol tanto en el fondo como en lasformas. Un matrimonio netamente burgués atrapado en un juego deapariencias sobre el que planea la amenaza de la locura y la tragediapropiciados por una vida presente letárgica, fruto de años y añosde convivencia alienante.

La desaparición aparentemente anormaldel gato de la casa en unas circunstancias especialmente inquietantes(un hombre acaba de salir de un psiquiátrico en el que fue internadopor un supuesto ataque de paranoia en el que agredió a un amigo)desata en la mujer un comportamiento similar.

El gato desapareceutiliza como macguffin el hecho al que se refiere el título;el propio título forma parte del macguffin para llevarnos aun final inesperado en el que quizás gato y su desaparición nosignifique nada...

Realizada con un gran dominio ycontención narrativa prestando toda la atención a la sugerencia delas miradas de las palabras, de los acentos, El gato desaparecees una película que se ve con gran interés. Puede que Chabrol yPolanski sean comparaciones que les vienen grandes, pero corroboranla calidad del director El perro o La ventana,que se estrena aquí utilizando los mecanismos de la ficción pura ydura al prescindir de historias reales y actores no profesionales.

Calificación: ***

THE ARTIST (próximo estreno en España)

2011-11-21T20:50:00.001+01:00

El16/12/2011 se estrena en los cines de toda España The artist. La películaviene precedida de un importante éxito de crítica y público desde que seestrenara en Reino Unido el pasado 19 de Octubre. Ha conseguido además cuatronominaciones para los Premios del Cine Europeo: Mejor película, mejor actor, mejorfotografía y mejor música. En el pasado festival de Cannes fue galardonada conel premio al mejor actor y en el festival de San Sebastian se alzó con elpremio del público. La trama transcurre en..

Hollywood,1927. George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo al que todole sonríe. La llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y lo lleva acaer en el olvido. Pero la joven extra Peppy Miller (Bérénice Béjo) empieza aser propulsada hacia el firmamento de las estrellas. THE ARTIST cuenta lahistoria de estos dos destinos entrelazados.

El director habla así deesta producción:

"Hace siete u ocho años, estuve dándole vueltas a la idea dehacer una película muda, probablemente porque los grandes directores míticosque más admiro proceden del cine mudo: Hitchcock, Lang, Ford, Lubitsch, Murnau,Billy Wilder (como guionista)... Pero sobre todo porque como director tienesque afrontar la responsabilidad de contar la historia de una forma muyespecial, sobre todo el director, porque en este género todo está en la imagen,en la organización de los signos que estás enviando al público. Y es un cineemocional, sensorial; al no tener que ir a través de los textos te devuelve auna forma básica de contar una historia que sólo funciona sobre lossentimientos que has creado. Es una forma fascinante de trabajar.

Ha sidofundamental la aportación de Thomas Langmann, que no es un productor como losdemás, porque no sólo se tomó muy en serio todo lo que yo le dije sino que vien sus ojos que creía en ello. Esta película ha sido posible gracias a él.

La escribímuy rápido, en cuatro meses. Desde el principio tuve claro que quería volver atrabajar con Jean (Dujardin) y Bérénice (Béjo) en la historia de un actor delcine mudo que no quiere oír nada del cine sonoro. Me centré en este personaje,pero tanto pronto como se me ocurrió la idea de la joven extra y de susdestinos entrelazados, todo estuvo en su lugar y cobró sentido, incluso en lostemas: orgullo, fama, vanidad... Y una anticuada visión del amor, muy puro, quetambién concuerda con la forma. En efecto, las películas mudas que, en miopinión, han envejecido mejor, las que mejor soportan mejor el paso del tiempo,y no quiero compararme en absoluto con ellas, son los melodramas. Es un géneroideal para el formato: historias de amor muy sencillas, historias que songrandes películas, incluso obras maestras. Pero había que ver si el públicoactual querría ver esas películas... En todo caso, esos títulos me dieron ganasde ir en esa dirección, pero siendo más ligero, más optimista, más alegre apesar de todo.

De todasformas, lo más complicado fue convencerme de que este proyecto valía la pena,porque va contra las tendencias actuales, es casi anacrónico: ¡estábamos enmedio de la locura por Avatar, en plena moda del3D! Mientrastrabajaba en el guión, pensaba en muchas películas mudas, en las de Murnau,especialmente enAmanecer (1928), CityGirl (1930)... en laspelículas de Frank Borzage, aunque Murnau es más intemporal, incluso moderno.William Fox, el fundador de la Fox, animó a Borzage y a John Ford para quevieran la obra de Murnau. Fox lo había llevado a Estados Unidos porque pensabaque era el mejor director del mundo. Después de ver esas películas, Ford hizo Cuatrohijos, una película magnífica que se parece mucho a las de Murnau,como si se estableciera un emocionante diálogo entre los dos directores.

Alprincipio vi todas las películas que pude: alemanas, rusas, americanas,británicas, francesas, pero al final fueron las películas mudas americanas lasque más me inspiraron porque se adecuaban más a los personajes, a lahistoria... The Crowd (Yel mundo marcha, 1928), de King Vidor, es un ejemplo conmovedor.También las películas de Chaplin, aunque su trabajo es muy especial, único.También me influyeron las películas de Eric Von Stroheim... Una de misfavoritas es The Uknown (Garrashumanas, 1927), de Tod Browning. Y algunas increíbles de FritzLang, que me influyeron enormemente, aunque no tengan nada en común con mipelícula.

Además,leí montones de libros: biografías de actores y directores, entre otros. Lainvestigación es muy importante, pero no para para ser más realistas sino comotrampolín para el imaginario, como los cimientos de una casa, para alimentar lahistoria, el contexto, los personajes... En THE ARTIST hay ecos de DouglasFairbanks, Gloria Swanson, Joan Crawford y los más lejanos de la historia deGreta Garbo y John Gilbert.

Para losque amamos el cine, buscar las localizaciones en este caso fue una experienciafantástica. Visitamos todos los estudios, en los que Chaplin rodó Laquimera del oro, Luces de la ciudad, etc.,los de Mack Sennett, Douglas Fairbanks... ¡fue increíble! La casa de Peppy enla película es la de Mary Pickford... estuvimos en lugares míticos. Aunquedejo cierto margen para tomarme alguna libertad, la dirección es sólo unacontinuación del guión y todo le tenía previamente recogido en un storyboard,porque necesitaba saber que todo se narraba bien, que se entendía bien. Megusta componer los fotogramas, definir cada plano, me gusta que cada planotenga sentido, jugar con los contrastes, las sombras, situarlos en losfotogramas, encontrar una escritura visual, códigos... todo eso me encanta.

RodamosTHE ARTIST en 35 días, terminamos agotados, pero estábamos allí, en Hollywood,unos cuantos franceses entre todos aquellos americanos, pero formábamos unequipo, e hicimos la película que queríamos. Todo fue muy emocionante".

· Dirigida por Michel Hazanavicious

· Protagonizada por Jean Dujardin, Berenice Bejo, John Goodman, Penelope Ann Miller, Malcom McDowell y Jame Cromwell.

“Un suave olor a canela” nuevo rodaje en Ciudad de la Luz

2011-11-13T15:25:00.001+01:00

Fotos: Scotty y gentileza de la productora.

El rodaje de "Un suave olor a canela" ocupa desde la semana pasada el plató número dos de los estudios Ciudad de la Luz. Una vez finalizados los exteriores en la ciudad de Valencia, se espera que durante los próximos días (unas dos semanas) se den por finalizadas las tomas de interiores con lo que se dará por acabado el rodaje.

El filmaborda el tema del cáncer desde una perspectiva vitalista yhumana

En la rueda de prensa ofrecida a los mediosde comunicación, su directora, que debuta aquí en el largometraje de fiicción, contó que esta historia le nace de experiecias personales que le tocaron en lo más intimo y remover esos recuerdos le ha supuesto un placer y un dolor al mismo tiempo. Según explicó, el título elegido para su película, Un suave olor a canela, le vino dado al recordar a un familiar suyo que recibía quimioterapia. Cada vez que se acercaba a ese ser querido percibía un olor dulzón y suave, similar a de la flor de la canela.

Tema:La vida de Valia cambia cuando se descubre un pequeño bulto en elpecho, Guido le acompañará

ensu camino. ¿Aqué público va dirigido? A mujeres y a hombre que quieren entendera las mujeres y sus

sensibilidades.

Género: Drama - Ficción

Dirección:Giovanna Ribes (www.tarannafilms.com)

Guión:Giovanna Ribes

Intérpretes:Mireia Pérez, Paulo Pires, Lola Moltó, Rosana Pastor, SergioVillanueva, Juan Mandli, Diego

Ramírez,Jaroslaw Bielski, Mar Mandli, María Miñaya, Ariel Castro…

Iniciode rodaje: 17/10/2011

Semanas/Duraciónde rodaje: 6

Ayudasrecibidas: IVAC, ICAA y Ciudad de la Luz

Localizaciones:Valencia, alrededores, Ciudad de la Luz y Berlín.

Formato:HD

Duración:85min.

Idiomade rodaje: español

Sinopsis

Valia,es una joven creadora de espacios visuales acostumbrada a observar alos otros como parte de su

trabajoy por lo tanto, para ella la realidad se ha convertido en un lienzoen donde los personajes

actúan.Unas semanas después conoce a Guido, el propietario de unrestaurante italiano. Guido es

suantítesis, perfectamente adaptado a la vida cotidiana y conscientede su propia dimensión social.

Mireia Pérez y Paulo Pires, los protagonistas.

La vidade Valia cambia cuando se descubre un pequeño bulto en el pecho porel que acaba sabiendo que

padeceun cáncer de mama. A través de Guido, Valia recuperará su otredadpara, por fin, enfrentarse a

sufinal.

GiovannaRibes (Directora y guionista): Brendan es mi marido y mi socio yBárbara es una de mis mejores

amigasy colaboradoras. Ambos sufrieron de cáncer casi a la vez. Un año ymedio de quimio y

radioterapia,de operaciones y reconstrucciones. Nuestro mundo profesional siemprehabía sido

contemplarla otredad y plasmarla. Ahora nos tocaba vivirla muy de cerca. Deesta experiencia de

sensacionesy de crecimiento personal, surge Un Suave Olor a Canela.

Giovanna Ribes, José Antonio Escrivá, Mireia Pérez y Paulo Pires.

PalomaMora (Productora) “Esta película tiene un importante carácterinternacional, tanto el tema que

tratacomo por su casting. Es una historia dulce, humana, y aunque lamuerte está presente, es un canto

ala vida que Giovanna Ribes, directora y guionista, ha sabidoreflejar”.

La Verdad.es / Mejores webs de 2011

2011-11-11T18:24:00.001+01:00

Premiados y autoridades, ovacionados. (Todas las fotos son de Scotty)

El diario La Verdad en suedición digital entregó ayer sus premiso anuales a las mejores webso blogs de la provincia de Alicante. Estos premios, que van todavíapor su tercera edición, se han afianzado en tan poco tiempo como elmayor referente para valorar y medir la calidad de los webs y blogseditados en la provincia.

El actor alicantino Paco Escribano y el monologuista Leo Harlem.

El acto, celebrado en el nuevoauditorio ADDA de la Diputación de Alicante se erigió en unauténtico acontecimiento social y cultural que congregó a la flor ynata de la clase política alicantina, junto con los creadores delas webs seleccionadas y una ingente cantidad de invitados queaglutinaban además a miembros de sindicatos, partidos políticos,estamentos empresariales y deportivos y de la más diversas áreasde la vida social alicantina.

Escribano, con la actriz y pintora Mª Ángeles Ceballos.

El auditorio se llenó a rebosar y losasistentes disfrutaron de un acto amenizado de forma magistral por elpresentador. (Leo Harlem en una desternillante actuación) quecombinó la entrega de los diferentes galardones con incisivosmonólogos cargados de ironía y comicidad..

Leo Harlem arrancando carcajadas.

Entre entrega y entregade premios intervinieron ademas personalidades provinciales y localescomo las alcaldesas de Alicante (Sonia Castedo) y Elche (MercedesAlonso) o la presidenta de la Diputación (Luisa Pastor), que sereveló como una oradora con un gran sentido del humor.

La Ceballos posa para Scotty.

Al final de la entrega de premios seofreció un ágape a todos los asistentes donde hubo oportunidad decomentar y debatir sobre el ambiente cultural alicantino y se valoróla gran calidad de las webs presentadas.

Sonia Castedo, alcaldesa de Alicante.

Un acontecimiento cultural que seafianza con aspiraciones de convertirse en un referente ineludible delas nuevas formas de creación y de comunicación que han abierto lasnuevas (ya no tan nuevas) tecnologías a cualquier iniciativa deexpresión y arte.

El acto ha sido patrocinado por laDiputación de Alicante, El Ayuntamiento de Elche, IFA y CAMON y hacontado con la colaboración de la Generalitat Valenciana, , ElAyuntamiento de Alicante, La Universidad Miguel Hernández, Ciudad dela Luz, y Puerto de Alicante, entre otros.

Las páginas ganadoras han sido: Mejor web de empresas: No solozumos. Mejor web institucional, Museo Diocesano de Arte Sacrode Orihuela. Mejor web de Ocio o Servicios, Planeta Huertoy mejor web o blog personal, Blog Social Media. Se entregó elPremio Especial “José Picó” que fue a parar a la web AsociaciónCultural Alicante Vivo.

Un animado ágape para propiciar el debate sobre los preimiados.

El Blog de Scotty estaba seleccionado en el apartado de "Mejor Web o Blog personal" pero... ejem... era de esperar... no consiguió llegar a la terna final.

Alan Ladd

2011-11-10T16:46:00.000+01:00

Por siempre Shane
Alan Ladd será recordado siempre porsu papel en el emblemático western de 1953 Shane (Raícesprofundas en España) donde interpretó de forma magistral aun jinete misterioso que aparece en un poblado aterrorizado por unabanda de pistoleros que acosan a los pacíficos agricultores paraapoderarse de sus tierras.

Un tema a partir de entonces recurrenteen el género, que muchos directores copiaron de forma más o menosdirecta. Recordemos el cuasi remake que Clint Eastwood llevóa cabo en la crepuscular El jinete pálido (1985).

Para entonces Alan Ladd arrastraba trasde sí una importante carrera en el cine negro, el género de másarraigo en las décadas de los treinta y cuarenta, donde fuealternativamente el gangster implacable, el hombre bueno e íntegro,o el policía justo, pero siempre alrededor de problemas con la ley,del dinero manchado o de las mujeres fatales.

Alan Ladd nació el 3 de Septiembre de1913 en el Estado de Arkansas. De madre inglesa y padre americano,quedó huérfano de padre con tan solo cuatro años.

De constituciónfrágil, fue un chiquillo acomplejado que se propuso acabar con lasbromas que sus compañeros de colegio le gastaban a costa de suaparente debilidad física y de su baja estatura. El deporte fue suvía de escape y de superación.

Huyendo de un ambiente poco favorablepara el desarrollo de su retoño, mamá Ladd fijo su residencia enel estado de California donde Alan se esmeró en mejorar su físico practicando natación y atletismo, lo que acabó consiguiendo.

Algunos años antes de las Olimpiadasde 1932 celebradas en Los Ángeles, Alan W. Ladd se entregó a fondoen los entrenamientos con la esperanza de poder participar en lacompetición, pero finalmente no lo consiguió por culpa de unainoportuna lesión muscular.

Durante su largo período derecuperación y ya que vivía en la meca del cine, se presentó adiferentes casting pero todo lo que consiguió fue trabajar enlabores técnicas en algunoss programas de radio de la Warner Bross.

Su escasa estatura era el principalhandicap con el que tropezaba cuando se enteraba de que habíapruebas para interpretar tal o cual papelito en alguna película delestudio.

Tuvo la suerte de que en una de esas pruebas se fijara en éluna influyente cazatalentos llamada Sue Carol, con fama de noequivocarse en sus elecciones y de llevar al estrellato a quien sepropusiera.

Claro que Sue Carol vio en él algo másque posibilidades para la interpretación pues inmediatamente despuésde conseguirle su primer papel se lo llevo a los Juzgados máscercanos para hacerlo su marido.

En su primera aparición ante lascámaras (Tom Brown of Culver) también debutaba otrafutura estrella de Hollywood, Tyrone Power, que conseguiríasuperarle en popularidad.

Tras casi una década de películas más omenos aceptables, pero que no remontaban su carrera, y tras un brevecometido en la obra maestra Ciudadano Kane, da elcampanazo.

Ese mismo año es el despiadado asesinoprotagonista de El cuervo de Frank Tuttle, junto a laque desde entonces sería su pareja más icónica, la sofisticada yseductora Verónica Lake.

La Lake, que era todavía más bajita queél, resultó su pareja ideal al desprender los dos un atractivo queiba mucho más allá de la escasa estatura de ambos. Así,encadenaron grandes éxitos: La llave de cristal(1942), La dalia azul (1946) Saigón(1948)...

Sus pelo rubio, sus ojos azules yfríos, su expresión pétrea... le conferían una aureola de hombreatractivo y distante que cautivaban a las espectadoras, que loauparon a lo más alto y durante algunos años fue considerado elactor más deseado.

A partir de Shane elwestern lo engulló y fue pistolero en bastantes títulos.Tambores de guerra , Rebelión en el fuerte, las dos de1954, Arizona, prisión federal y El rebeldeorgulloso (ambas de1958) fueron algunos de los westernen los que intervino.

En 1963 interprestó su último granéxito, una adaptación de un best seller de Harold Robbins plagadode estrellas en decadencia titulado Los insaciables.

Su última película, que no llegó aestrenarse en España, data de 1964 y en ella interpreta allegendario trampero de las montañas rocosas Nevada Smith. Su título,The Carpetbaggers.

Ese mismo año moría en extrañascircunstancias en su casa de Palm Springs. Tenía 51 años. Suestómago estaba lleno de alcohol y pastillas, lo que dejó sin sabersi se había tratado de un accidente o de un suicidio.

Aunque en su filmografía haysuficientes obras maestras como para considerarlo una de las grandesestrellas de Hollywood, fue Raíces profundas lapelícula con la que se hizo eterno en la memoria del espectador decualquier generación amante o no del cine.

Quién que haya visto Shane no lo ha amado casi tanto como Jean Arthur y Brandon de Wilde . Yquién no ha gritado con aquél niño fascinado en la escenafinal de Raíces profundas, cuando aquel jinete que llegó pálido y cansado se aleja imperturbable hacia las montañas nevadas que dibujan el lejano horizonte:¡¡¡Shane, vuelve!!, Shane!!.

"UN DIOS SALVAJE". Polanski en todo su esplendor.

2011-11-08T22:05:00.001+01:00

El día 18/11/11 llega a los cines españoles la última película de Roman Polanski.

Adelantándonos a este acontecimiemto en El Blog de Scotty hacemos una semblanza de esta extraordinaria película que está despertando una gran expectación. Por gentileza de la productora con nuestro Blog, disponemos de una cantidad ingente de material de rodaje que aprovechamos para dar amplia información de Un dios salvaje, una película que ningún buen aficionado al cine debe perderse.

Un dios salvaje se representó el año pasado en La Nucía, provincia de Alicante (Cartel del evento).
Argumento:
Dos niños de unos once añosse enfrentan con violencia en un parque. Labios hinchados y algún dienteroto.... Los padres de la "víctima" han invitado a su casa a lospadres del "matón" para resolver el conflicto. Lo que comienza siendouna charla con bromas y frases cordiales adquiere un tinte más violento amedida que los padres van revelando sus ridículas contradicciones y grotescosprejuicios sociales. Ninguno de ellos escapará del brutal juicio final ante Un dios salvaje.

Un dios salvaje es unacoproducción franco-alemana-polaco-española, de SBS

Productions, Constantin Film Produktion, SPI Film Studio y VersátilCinema. Aparecen
igualmente en créditos, eldirector de fotografía Pawel Edelman (El escritor, El pianista); el
director artístico y ganadorde un Oscar, Dean Tavoularis (El padrino, Apocalypse Now); la
diseñadora de vestuario,Milena Canonero, ganadora del Oscar por María Antonieta, Barry
Lyndon y Carros de fuego; lamaquilladora y ganadora de un Oscar, Didier Lavergne (El
escritor, La vie en rose), yHervé de Luze (El escritor, El pianista), como montador.
El director ganador de unOscar, Roman Polanski, dirige a Kate Winslet, Jodie Foster, John C.Reilly y Christoph Waltz en Un dios salvaje, la adaptación cinematográfica de la famosa obra teatral Un dios Salvaje,de Yasmina Reza.

Una ácida y entretenidahistoria de dos familias enfrentadas después de que sus respectivos
hijos se vean involucrados enuna pelea infantil. Un dios salvaje saca a la luz las ridículas
contradicciones y grotescosprejuicios de dos familias americanas acomodadas.
Rodada en tiempo real, vemoscómo los cuatro adultos se reúnen para resolver la disputa. Un dios salvaje enfrentará a lapareja de Nancy y Alan Cowan, contra la escritora liberal y
activista, Penelope Longstreet,y su marido mayorista, Michael. Impredecible y sorprendente, la película muestra lahipocresía que se esconde tras la fachada burguesa de buenos modales. Aclamada por la crítica ypúblico, la obra de teatro obtuvo un gran éxito en París, Londres y Broadway, tras su estreno en2006, y ganó varios galardones en los premios Olivier y Tony de teatro.

Después de ver la obra deteatro, Roman Polanski supo que se podía convertir en una película
inquietante. Polanski trabajócon Yasmina Reza para adaptar la obra de teatro al cine. La obra estaba originalmenteambientada en París, pero se adaptó a la localización de Brooklyn una vez que se decidiórepresentar en Broadway, en donde se estrenó en el 2009. Polanski, sin embargo, decidió ambientarlaen Nueva York.

El director también quiso serfiel al tiempo real; tal y como estaba establecido el ritmo dramáticoen la obra original, creandoasí una cinta de 79 minutos donde la acción se desarrolla sin interrupciones y en un únicodecorado - a pesar de lo que esto significa. «Es un reto hacer unapelícula en tiempo real, sinuna sola elipsis», dice Polanski. «Con un guión tan rápido e ingenioso, el público de todoel mundo se identificará con estos personajes».
Polanski ha reunido a unelenco de lujo: los ganadores de un Oscar, Kate Winslet y ChristophWaltz; interpretando a Nancyy Alan Cowan, y también a la galardonada con otro Oscar, JodieFoster y John C. Reilly, comoPenelope y Michael Longstreet.

Kate Winslet describe a lainversora de bolsa Nancy Cowan «como una madre trabajadora y

extremadamente ocupada, quese siente constantemente desesperada y culpable por no estaro suficiente con su hijo, y,sin embargo, tiene opiniones muy directas sobre la maternidad y la educación de los hijos;hechos que obviamente se contradicen. Aunque quiere a su hijo, hay ciertas parcelas de las queno sabe realmente de lo que habla».

Para Winslet, el éxito de laobra reside en cómo, temas universales se tratan con sentido del
humor. «Es una ventanaabierta a alguno de nuestros mundos», dice. «Trata dos temas tan
complejos como la educaciónde los hijos y la rutina del matrimonio. Yasmina ha transformado
el texto, convirtiéndolo enuna comedia enriquecedora y didáctica para todo el mundo. Logra
que seamos capaces de reírnosde nosotros mismos y de la torpe condición humana, ya que
muestra experiencias quetodos hemos vivido alguna vez, sin importar el idioma en el que se
hable o de la procedencia desus personajes o sus circunstancias personales».
«Es muy real», continúa Winslet.«Por ejemplo, cuando estás en el patio del colegio de tus hijos hablando con otros padres,siempre se respira un aire de “tengo que ser amable contigo a pesar de que no te soporto”.Existe siempre un ambiente falsamente agradable en la forma de comunicarnos con otrospadres, que forma parte de las reglas ya establecidas para proteger a nuestros hijos».

La actriz también señala lainfluencia salvaje de la tecnología, cuya invasión domina nuestra

existencia hoy en día.«Muestra lo fácil que es llegar a desvincularse de la realidad. Es como
poner un parche rápido quesoluciona de inmediato el conflicto de nuestras relaciones.
Confiamos simplemente enmirar un mensaje de texto, enviarlo de vuelta y esperar el sonido de“enviado”. Todos nos hemosacostumbrado a este modo de comunicarnos y a la validación de nuestras amistades a travésde una conexión no-verbal».
Winslet quedó cautivada porla naturaleza del texto y las múltiples lecturas del mismo. «Lo
fascinante es que empiezasiendo una cosa y de repente se convierte en algo completamente
distinto», dice. «Me encantaeso de la historia, que es muy real y a la vez impredecible. Crees
que estás viendo un tipo depelícula y de pronto se transforma súbitamente en algo muy
distinto».

Para Jodie Foster, que interpretaa la emprendedora activista Penelope Longstreet, fueron las
ideas tratadas en la historialo que más le atrajo de la misma. «Aunque es satírica y
extravagante en algunosaspectos, la relación entre los personajes tiene una base psicológica
que es real, como lapsicología familiar; el tapiz de la vida de las personas que es lo que me
parece más fascinante. Laforma en que ellos interactúan, la forma en que se sacan de quicio,
cómo se lanzan puñaladas, yno sólo en esta generación, sino también en las siguientes.
Nuestras ideas sobre la moralya establecida cuando en realidad todos somos muy primitivos.
Todos llevamos un monstruodentro y si asumiéramos esa responsabilidad, probablemente
todo nos iría mucho mejor».

«La tema de la moral esinteresante», Foster continúa. «Cuatro personas están tratando de

averiguar qué es lo correctoy si lo correcto es en realidad lo moralmente aceptado. A medida
que pasa el tiempo, vansacando su verdadero yo, volviéndose más y más monstruosos,
haciendo surgir un tonocómico. Todos ellos son gente agradable, adultos y con buena
educación, pertenecientes afamilias de clase media- alta, que viven en barrio burgueses.

Todo hace pensar que todo va a irmuy bien, cuando de repente todo empieza a ir fatal».
«Es una comedia sobre lasbuenos modales y cómo perder esos modales», dice Foster. «Lo
que realmente hace que lapelícula funcione es que los personajes estén tan bien dibujados y
sean tan diferentes entre sí.El personaje de Kate Winslet trata de ser el perfecto enlace entre
todos, sin embargo, sabemosque no expresa lo que siente realmente, por lo que su
comportamiento se convierteen más y más receloso»

Foster dice que el personajede Penelope “le venía como anillo al dedo”. «Ella es

tremendamente educada y setoma las cosas con muchísima seriedad», dice la actriz.
«Empieza revelando su propiapersonalidad, pero según avanza la historia, se va convirtiendo
en una caricatura de símisma. Las relaciones entre estos personajes tienen lecturas distintas.
Los problemas en nuestromatrimonio salen a flote en plena negociación. Ella es una mujer
intensa, que trabaja en unalibrería, y también está escribiendo un libro sobre el sufrimiento en
África, sin poder sacarse dela cabeza este tema. Le horroriza el matrimonio de Nancy y Alan,a los que no les preocupa enabsoluto la situación mundial. Mi marido es un buen tipo pero mi intensidad le pone de losnervios y se refugia en su whisky favorito».
A Foster le encantan losgiros y matices de las relaciones entre los cuatro personajes.

«Durante gran parte del tiempo, sonPenelope y Alan los que no se soportan, porque él es un abogado muy engreído al que le gustaburlarse de mí porque le irrita profundamente lo políticamente correcta que soy. Pero prontoesto se traslada a los cuatro personajes y al final de la película todos terminan detestándose.La historia pone de manifiesto la fragilidad de las relaciones y las cicatrices que todos llevamosdentro».

El lenguaje también atrajo ala actriz, intrigada por cómo Reza había conseguido perfilar a unos personajes que se definen através de un lenguaje codificado. «Penelope tiende a decir

siempre: “eso es asqueroso” o“qué asco me da”. EL asco parece ser su prioridad. Nancy no
para de repetir,“naturalmente”, a pesar de que ella es la persona menos natural del mundo.
Michael es el tipo de personaque no para de repetir “¿por qué no podemos todos llevarnos
bien?”, o sea, “¿por qué hayque pensar tanto las cosas?”, “¿qué necesidad hay en realidad de pensar en todo esto? ». Winslet también se sintióatraída de inmediato cuando vio la oportunidad de sumergirse en un lenguaje de tal riqueza.«Escuchamos a los personajes usar un lenguaje muy agresivo, es decir; como arma o forma deexpresar las propias emociones o la percepción de lo que alguien está pensando», dice. «Yninguno de ellos asumirá jamás la responsabilidad de sus propias palabras. Esa es una de lasrazones por la cual la historia se desarrolla así. Nadie asume la responsabilidad de las cosasque dice».

John C Reilly interpreta elpapel de Michael Longstreet, un vendedor de artículos para el hogar
con grandes ambiciones deelevar su estatus social. «Aspira a pertenecer a una clase social
más alta. Su esposa,Penelope, es más intelectual; una escritora muy preocupada por los
problemas mundiales y lajusticia social. En cierto modo, cada uno de los personajes es un
hipócrita que piensa que sitodo el mundo pensara como ellos, entonces el mundo sería
perfecto. Así que Michaelmuestra su mejor actitud ante el encuentro con Nancy y Alan, pero
finalmente no puede aguantarmás y explota.

Me ha resultado muy refrescante interpretar este papel. Cada uno de lospersonajes se quitará la máscara en un momento diferente de la

historia. Lo que es genial enla escritura de Yasmina es que justo cuando piensas que la historia va a terminar,alguien dice: “no, yo no me voy; quiero decir esto o lo otro...”, y eso es lo
que mantiene esta vorágineactiva, hasta que finalmente explota. Es un retrato bastante
devastador sobre cómo seeduca y cría a los hijos en Estados Unidos».
Reilly continúa sobre estasátira: «es un escenario perfecto para la comedia, ya que juntar a
unos personajes en unasituación difícil y hacer que se comporten educadamente es, sin duda, una de las mejores recetas dela comedia».

Foster está de acuerdo, yañade que el equipo tuvo largas discusiones acerca de cómo obtener el tono justo de la sátira:«incluso si la comedia es descabellada tiene que tener una base real. Y aquí, la comedia se basa enla realidad y al ser una sátira llega hasta el punto de la exageración. La escena decuando a Penelope se le pregunta sobre África es especialmente delirante, sobre todo cuandoempieza a desmoronarse, y creo que el público se va a divertir. Es la seriedad de su personajelo que realmente provoca la carcajada. Por otro lado, cuando se enfrenta a la falta desensibilidad del personaje de Alan es cuando la comedia funciona».

Polanski organizó sesionesintensivas de ensayos durante dos semanas, para que los actores se familiarizaran y parainvestigar el tono de la película; un tono que se mueve entre la sátira, la comedia y el drama. «Siempre me ha gustadoensayar», dice entusiasmada Winslet. «Es realmente un lujo tener esta oportunidad. Pero nocreo que ninguno de nosotros habría pensado que Roman nos iba a hacer aprender el guión, deprincipio a fin, como una obra de teatro. Me emocionó realmente como organizó la puesta enescena, porque cuando llegamos al plató todos sabíamos exactamente cuáles erannuestras posiciones. Fue muy útil para nosotros y para Roman, ya que pudo estructurar muy bienla forma en la que iba a rodar. Los ensayos sirvieron igualmente como una experiencia de unión entre todos nosotros. Ha sido muy divertido enfrentarse a un reto de este tipo y trabajarcon actores tan profesionales y brillantes, y sentir el deseo de estar a la altura de su capacidad interpretativa y talento. Ha sido realmente maravilloso».

Para Winslet, el período deensayos le permitió llegar a familiarizarse con la escena a la que
más pavor tenía: cuando absolutamenteborracha se embarca en una desmedida dialéctica,
justo después de habervomitado sobre los valiosos libros de arte de Penelope, colocados
sobre la mesa. «Todossabíamos que sonaba un poco como a un discurso», explica. «El reto
era que sonara como si setratara de un discurso que viene de cualquier sitio. Se resolvió
gracias a la dirección deRoman, que fue firme en sus decisiones. Pero la posibilidad de los
ensayos nos permitió ver loque funcionaba y lo que no, así que fue realmente un verdadero
lujo. Me quedé muy aliviadacuando finalmente la rodamos porque era una escena difícil. ¡No
hay nada peor que unaborrachera mal interpretada!». «Los ensayos me dieron laoportunidad de dejar que las ideas afloraran, para que finalmente el diálogo saliera solo», diceReilly. «También nos permitió a todos encontrar el ritmo y la forma en que deben interactuar lospersonajes en un espacio cerrado. Y hubo un gran intercambio de ideas, sobre todo en losdiálogos. Roman estaba traduciendo del francés original, así que nos decía como se decía tal fraseen francés y luego nos hacía sugerencias sobre cómo hacer para que el tono fueraauténticamente americano. Y el hecho de que no hubiera ningún tipo de ego, facilitó poder tener unacomunicación franca».

«Es muy útil que te dirija undirector que ha sido actor», continúa Reilly. «No solo porque
entiende más a los actores,sino porque tiene un gran sentido de la verdad en los momentos
claves. Roman tiene un graninstinto innato de lo que se siente cuando se interpreta. Por eso
se mostraba tan interesado enlos ensayos, así como en la realidad orgánica de las reacciones y de nuestro comportamiento.En los ensayos siempre preguntaba las razones por las cuales hacíamos algo de una manera ode otra». «Creo que Roman se lo pasómuy bien», dice Foster sobre el trabajo de los ensayos. «La mayor parte del trabajo dedirección tuvo lugar en los ensayos, ya que cuando empezó el rodaje, la mayoría de suspreocupaciones se centraban en los movimientos de cámara.

Concretamente, los ajustesque hacía de los ángulos de cámara fueron en ocasiones muy
sutiles para nosotros. Romanes un maestro de la técnica cinematográfica y un director
magnífico. Tiene un estiloespecífico y es muy coherente con su estilo de trabajo: se pone su
propia marca, ajusta lacámara y ahí está, con su visor pequeño, que no había visto usar a
nadie desde hacía veinteaños. Un visor que está todo rayado, desde cuando hizo El cuchillo
en el agua. No solo tiene unavisión concreta de la película, sino también del lenguaje de esa
visión». Christoph Waltz coincidetambién: «los ensayos han sido indispensables en este proyecto. No era solo para conocernosmejor sino también para permitirnos experimentar. Probar esto y aquello, desechar las cosasque no servían. En un rodaje normal, nunca se tiene el lujo de tener tiempo».

«Rodar la película en tiemporeal es un gran reto», dice Foster. «Cualquier transición que se
hace no se puede hacer fuerade cámara. Las transiciones tienen que hacerse ahí mismo; en
ese preciso instante. Piensoque la obra está tan bien construida que ha sido bastante fácil
reflejar sentimientos tandistintos. He hecho muchas películas en una sola localización, como
esta. Lo que sucede cuandohaces una película con solo cuatro personajes, es que se produce un acercamiento entre losactores que no se consigue de ninguna otra manera. Esta ha sido la conexión de trabajo másestupenda que he tenido en una película. Sinceramente quiero a estos actores y me causó muchatristeza no volverles a ver a diario».
Roman Polanski, directorconocido por su brillantez visual, reunió a un gran equipo de
colaboradores; especialmentecreativos, detrás de la cámara, incluidos el director de fotografía, Pawel Edelman, el director dearte y ganador de un Oscar®, Dean Tavoularis, y la diseñadora de vestuario y tambiénganadora de un Oscar®, Milena Canonero.
Casi tan importante como loscuatro personajes fue el plató. Construido en los estudios de
sonido de Bry sur Marne enlas afueras de Paris, el plató fue creado por director artístico Dean Tavoularis; más conocido porsus colaboraciones con Francis Ford Coppola en algunas de las películas más impactantesvisualmente de los últimos 40 años, incluyendo la trilogía de El padrino, La conversación yApocalypse now.

Tavoularis diseñó un decoradopara que el plató fuera lo más auténtico posible. Se podía ir de
una habitación a otra, omirar desde la puerta el fondo del pasillo, como en un apartamento de
verdad. También diseñó elapartamento de manera que tuviese la dimensión adecuada para
enriquecer la narrativa enlos momentos clave. Para llegar al baño había que pasar por el
dormitorio obligatoriamente,provocando, por ejemplo, un escalofrío en la escena en la que
Penelope ayuda a Alan aquitarse los pantalones mojados, ya que tienen que regresar al salón pasando junto a la cama. Tavoularis, que trabajó conPolanski en La novena puerta, nunca había diseñado una película de este tipo, en una solahabitación, con cuatro personajes únicamente. «Intenté que todo fuese lo más real posible. Amí siempre me preocupan los detalles del decorado, porque nunca sabes exactamente cuántoquiere mostrar el director, lo que se va a ver o no del interior de un armario o de un cajón. Trajimoscomida y objetos de Nueva York, de Brooklyn, concretamente, para que el apartamento fueselo más auténtico posible. Estaba seguro de que algunas cosas no se verían por el objetivo,pero aún así, planteé el decorado de acuerdo a las necesidades de los actores. Detalles así sonde vital importancia si se trabaja en un único plató durante todo el rodaje».

«Sus esfuerzos se vieronrecompensados», dice John C Reilly: «cuando vi el plató, me di

cuenta de que había una granparte de mi trabajo que ya estaba hecho. Normalmente en las
películas, la cámara muestrasolo lo que se supone que tiene que ver el espectador. O sea, que en realidad únicamente semuestra la mitad del decorado; por ejemplo, si abres un libro no hay nada en el interior… Haymucho de artificio. Pero el decorado de Dean estaba lleno de detalles, era completamente real,incluso había pequeños adornos en las estanterías. En la cocina prácticamente se podíacocinar. Nos dio un gran sentido de la ubicación».
Uno de los mayores placerespara el director de arte, que estaba prácticamente retirado de la
industria del cine ydisfrutaba de su nueva etapa como pintor, fue el de recibir una llamada de
Polanski y trabajar enFrancia. «No había trabajado en ninguna película desde hacía años y me quedé atónito ante el trabajofantástico de los artesanos franceses. Los carpinteros, pintores, atrecistas tenían todos unnivel impresionante».

Formar equipo de nuevo conPolanski le hizo recordar el enorme talento de este director.
«Polanski normalmente sabíaresolver los problemas mejor que nadie», dice Tavoularis. «Su
conocimiento abarca todos losaspectos creativos de la película. Desde el diseño hasta los
efectos visuales. Sabeexplicar exactamente lo que hay que hacer para solucionar algo
correctamente. Va al grano ya la esencia del problema. Es uno de los mejores directores de
cine trabajando en el mundohoy en día».

5 metros cuadrados

2011-11-04T20:32:00.005+01:00

Una habitación con vistas

No cabe duda de que 5 metros cuadrados una película interesante de ver, pero al presentarse con el aval de haber conseguido casi todos los premios de importancia en la última edición del festival de cine español de Málaga uno se esperaba bastante más. Tanto reconocimiento se nos antoja excesivo, por lo que hay que preguntarse cual sería la calidad del resto de las películas a concurso. 5 metros cuadrados se alzó con los galardones a la mejor película, mejor guión, mejor actor, mejor actor secundario, además del premio de la crítica. Con ese bagaje se echa de menos el premio al mejor director ya que algo habrá tenido que ver Max Lemcke en que la película mereciera tantas consideraciones. Consideraciones que solo pueden entenderse el el contexto de una selección de filmes a a competición más bien mediocre.

5 metros cuadrados es una película muy modesta que juega todas sus bazas a un intimismo que parece forzado por la falta de un presupuesto suficiente. Se advierte que es una película barata que tiene la ventaja de contar con un guión sólido. Pero el público que llena las salas busca algo más que una buena historia desarrollada sin brillantez. Sus guionistas (Pablo y Daniel Remón) y la dirección de Max Lemcke se toman la cosa demasiado en serio y se olvidan de que los mejores resultados para este tipo de historias se consiguen con el sarcasmo, el humor (negro, mejor) o la sátira, como ya dejaron demostrado Berlanga (El verdugo), Ferreri (El pisito) o más recientemente Miguel Albadalejo con la injustamente infravalorada Nacidas para sufrir que, por cierto, también fue rodada íntegramente -al igual que 5 metros cuadrados- en Ciudad de la Luz y en exteriores alicantinos.

5 metros cuadrados cuenta una historia sobre un tema de “rabiosa actualidad”, pese a que el problema de fondo viene de largo: las dificultades de las parejas jóvenes para acceder a una vivienda. A las películas citadas más arriba se podría añadir también El inquilino, de José Antonio Nieves-Conde, que data nada menos que de 1956, con la que 5 metros cuadrados comparte, salvando las distancias, un decidido tono amargo y desesperanzado. En Cinco metros cuadrados esas dificultades se adecuan a los nuevos tiempos y el problema al que tienen que enfrentarse los protagonistas no es exactamente a la falta de solvencia.

Álex (Fernando Tejero) y Virginia (Malena Alterio) son una pareja paradigmática de la clase media trabajadora de ahora mismo,que sólo desean casarse y tener su propia vivienda. Invierten todos sus ahorros en la entrada de un piso, pero a la paralización de las obras del edificio por infringir la ley de Costas, se unen los problemas derivados del estallido de la burbuja inmobiliaria, lo que lleva a los promotores a intentar desentenderse de sus responsabilidades dejanos a los compradores sin piso y sin dinero.

Todo el entramado pseudomafioso de ilegalidades y “pelotazos” que se mueve alrededor de la construcción en nuestro país, en el que contratistas sin escrúpulos y políticos corruptos sacan tajada -con la pasividad o complicidad encubierta de abogados y jueces- especialmente en la costa levantina, va a salir a flote revelándose ante los ojos del atribulado protagonista (un impecable Fernando Tejero), que se ve inmerso en una situación kafkiana que lo va a llevar hasta el límite de la razón y la locura. Su tenaz empeño por conseguir esos “cinco metros cuadrados” de balcón propio desde el que divisar el mar, le hará tomar decisiones viscerales. Impotente ante el abandono y desprotección por parte de la Justicia, acabará actuando de forma unilateral lo que, al final, le factura a todos los niveles.

5 metros cuadrados es una película bienintencionada pero su alcance crítico resulta insuficiente, pese a que todo los que nos cuenta resulta creíble y reconocible. Lo que vemos muchos lo habrán vivido y todos lo estamos percibiendo a nuestro alrededor, en nuestras propias familias, entre nuestros vecinos...Pero 5 metros cuadrados nos deja el regusto de lo fallido y quien haya visto la espléndida serie Crematorio (qué casualidad, también ambientada y rodada íntegramente en Alicante) entenderá la diferencia que hay entre contar las mismas cosas de forma anodina y aburrida o hacerlo con auténtica garra.

Calificación: **

Malena Alterio conversa con Paco Escribano (Photo by Juan C. Soler)
5 metros cuadrados se estrena el viernes día 11/11/11 en los cines de toda España.

Malena Alterio en Ciudad de la Luz

2011-11-04T01:30:00.004+01:00

Photos by: Scotty

La Ciudad de la Luz acogió ayer en primicia el estreno de la película de Max Lemcke 5 metros cuadrados. Rodada en su totalidad en los estudios alicantinos y en diversas localizaciones de la provincia, 5 metros cuadrados viene avalada por el rotundo éxito obtenido en la última edición del festivas de cine español de Málaga, donde se alzó con los premios a la mejor película, mejor guión, mejor actor principal y mejor actor secundario.

Tras su pase en exclusiva para los medios de comunicación, Malena Alterio, su protagonista femenina, posó para la prensa y se sometió a diversas entrevistas. Scotty logró que nos respondiera a algunas preguntas. Malena, que como todos sabemos es una actriz sobresaliente, se nos reveló también como una persona sencilla y cercana.

Scotty: Malena, nos ha sorprendido verla en un registro muy diferente al que nos tenía acostumbrado en televisión..

Malena Alterio: Bueno, lo que tiene la televisión es que eclipsa cualquier otro trabajo de un actor, pero papeles dramáticos o “serios” he hecho muchos a lo largo de mi carrera, Tanto en teatro como en cine.

Scotty: Si... Creo recordar que hace unos años interpretó en los escenarios a Chéjov (Tío Vania) y el año pasado intervino en un montaje de Madre Coraje por el que obtuvo un Fotogramas de Plata.

Malena Alterio: Cierto, sin embargo la gente por la calle siempre me habla de mis personajes en televisión. El teatro tiene muchísimo menos publico, en comparación.

Scotty: A mi me gustó mucho su trabajo en la película Una palabra tuya, pero en 5 metros cuadrados su personaje no requiere registros tan extremos y usted lo interpreta con esa naturalidad tan difícil de conseguir cuando pararece que las cosas que ocurren son tan cotidianas...

Malena Alterio: En la película de Sinde, quien realmente estuvo estupenda fue Esperanza Pedreño. En cuanto a 5 metros cuadrados, trabajar con Fernando Tejero me ha facilitado mucho las cosas. Fernando es como un hermano para mí. El trabajar tanto juntos nos ha hecho cómplices y compenetrarnos es de lo más sencillo.

Scotty: ¿Puedo hacerle una pregunta personal?. No estoy seguro de si es usted argentina o española...

Malena Alterio: Jajaj!, esto me lo preguntan mucho. Cuando mis padres se vinieron a España yo tenía solo unos meses (mi hermano Ernesto es algo mayor) y por lo tanto, soy argentina de nacimiento y española por razones obvias. Siempre he vivido en España.

La conversación llegó a su fin pues los periodistas de varias televisiones reclamaron su turno. Nos despedimos no sin antes preguntarme por el Blog de Scotty y de interesarse por conocerlo.

En el próximo post comentaremos 5 metros cuadrados.

Ellos

2011-10-27T17:13:00.001+02:00

Los visitantes nocturnos

Ellos es una modestísima película francesa que salva la cara de forma más que digna. Estamos ante una película de terror que juega con ambiguas sugerencias sobrenaturales -, que no abusa de efectismos gratuitos y muchos de los golpes de efecto que, si lo parecen, al final se justifican como legítimos. El regusto que deja la visión de la película es el de no haber estado perdiendo el tiempo viéndola, de que se nos ha estado tomando el pelo. Qué más se puede pedir, en estos tiempos, en el que el cine fantástico está siendo utilizado como género proclive a espúreos excesos .

Una pareja. Un fin de semana. Una casa aislada y “algo” o “alguien” que viene a soliviantarlos hasta el límite y a ponerlos entre las cuerdas de la enajenación y la razón. Viendo Ellos me viene a la cabeza una película de similares pateamientos y parecido argumento: Los extraños (Bryan Bertino, 2008) Pero ahora que recuerdo, otra película, esta española y también relativamente reciente, de Guillem Morales (anterior a Los ojos de Julia) El habitante incierto, también tiene mucho que ver con lo que aquí vemos. Ellos es menos sugerente y mucho más directa en las imágenes, pero también más más terrorífica y cuenta con el añadido de que, según se dice en los créditos, está basada en hechos reales, lo que le da una dimensión bastante inquietante.

Ellos explota una situación recurrente, exprimida al máximo (un peligro exterior que intenta introducirse en un habitat y en sus moradores sin que haya demasiadas variantes) , sin que quiera decir que resulte repetitiva o cansina. Otra de las virtudes de la película son sus 70 minutos de metraje (no hacían falta más) en los que se juega muy inteligentemente con los escasos medios disponibles y hasta se permite hacer guiños a películas como El proceso de la bruja de Blair. Todo lo referente a las escenas en el bosque, diurnas y nocturnas, son un homenaje (o un plagio, según opine cada uno) a dicha película. Tenemos la soledad un bosque, la oscuridad de la noche, un peligro indeterminado y los vaivenes de una cámara de movimientos desquiciados y nerviosos mostrados a través de una fotografía granulada y falta de nitidez.

De forma muy hábil, Ellos nos propone dos finales. Uno que podría ser el que acaba con la historia dejando a los personajes junto a una alcantarilla taponada con rejas, sin poder salir (que nos hubiera dejado una película con connotaciones fantásticas y un the end abierto) y el final que después se añade, que incluye un epilogo con imágenes que nos sitúa la historia ante una realidad exenta de cualquier connotación fantástica que da una dimensión imprevistamente plausible a todo lo que hemos visto hasta el momento. Además, ata ciertos cabos que durante todo el metraje nos han ido poniendo la mosca tras la oreja de que la película no podría estar jugando limpio con los espectadores. Pero sí, puesto que todo queda perfectamente aclarado.

Ellos es una buena película que en su día no tuvo la proyección popular que se hubiera merecido, sin duda porque evita siempre los efectos más trillados del género y hay muy pocos sustos gratuitos, que es lo que le gusta ahora al público adicto al género. Creo que Ellos es una película que vale la pena ver y disfrutar, incluso algunos años después de su estreno, en una tarde de relax en casa ante una copia en dvd, como ha ocurrido en el caso que nos ocupa. Ellos (David Moreau y Xavier Palud) se estrenó en las pantallas españolas en 2007 sin que tuviera ninguna repercusión en las taquillas.

Calificación: **

La voz dormida

2011-10-24T22:07:00.000+02:00

Humilladas y ofendidas

La voz dormida es la película que más me ha emocionado en mucho tiempo. Una conmoción que, no me avergüenza decirlo, me ha llevado en muchos momentos en derramar más de una lágrima atenazado y oprimido por un fuerte nudo en la garganta. Que una película consiga eso de quien esto escribe es muy difícil pues no me considero fácilmente manipulable en mis sentimientos y aquello que me produzca esas sensaciones tengo que asimilarlo como algo que no admita dudas sobre su veracidad.

Y La voz dormida, rezuma todo el marchamo de lo verdadero. La película habla de la postguerra, más concretamente de lo que acontece a dos hermanas andaluzas en los desgraciados primeros años de la victoria fascista, y sus tribulaciones -y las de las demás mujeres que reconocemos en su entorno- son paradigmáticas de lo que ocurrió lamentablemente con tantas y tantas mujeres en la España de los años cuarenta y cincuenta.

Hay una muchacha cordobesa, Pepita -una inmensa María León de la que, haga lo que haga a partir de ahora nunca voy a olvidar después de este monumental trabajo-, que se ve arrollada por una circunstancia que la engulle y en la que la utilizan para llevar a buen puerto una aventura de la que lo único que entiende es que nunca podría negarse a emprenderla: debe de ayudar a un grupo de maquis y, de paso, a su hermana, embarazada y presa en una cárcel para mujeres en la capital de España.

La voz dormida pone en primer plano los sentimientos y los estragos de la indignidad cometida sobre las personas, pese a que aparente que principalmente nos está hablando de las atrocidades de la postguerra, en concreto de las que se cometieron con tantas y tantas mujeres republicanas que, metidas en política o apolíticas -lo que para los vencedores venía a ser lo mismo-, son humilladas y ofendidas en su doble condición de mujeres y de rojas.

En esa aventura dentro de las entrañas del fascismo Pepita va a sobrevivir a todas las humillaciones, se va a adaptar todas las imposiciones del vencedor (con la Iglesia en un plano de connivencia y complicidad imprescindible) va a someterse a todas las claudicaciones exigidas y a todas las renuncias personales, en pos de ayudar a su hermana.

Un ese camino de dolor y amargura, de humillaciones, mancillada física y psíquicamente, en el que Pepita va a preservar su pureza y su candor pese a tanto dolor y a tanta renuncia. En esencia, ese es el tema de La voz dormida, una película que por supuesto nos habla también, y de una forma espléndida, de lo que fue la primera etapa de la postguerra en la España franquista.

La voz dormida está siendo acogida con gran diversidad de opiniones tanto por la crítica como por el público. Me parece muy lógico si tenemos en cuenta que la película habla de unos hechos en los que estuvieron involucradas las dos Españas que todavía hoy encuentran motivo, no ya de discrepancia, sino que aun puede llegar ( llega) hasta el enfrentamiento más visceral.

Objetivamente La voz dormida lanza su discurso desde el punto de vista de los derrotados pero no dice ninguna mentira. Su relato es a partir del fin de la contienda y reflexiona sobre las relaciones entre vencedores y vencidos en las que los últimos fueron pisoteados sin compasión en una gran mayoría, por otra gran mayoría de los vencedores y por la propia Iglesia. ¿Qué la película es acartonada y con personajes y situaciones maniqueas, según algunos? Opino que no. Lo que La voz dormida cuenta lo he oído relatar muchas veces por personas que lo vivieron en sus carnes y los hechos y los personajes de uno y otra parte rezuman autenticidad.

La feroz represión que la película muestra duró hasta toda la década de los cincuenta y esas personas humilladas y ofendidas, violadas en su dignidad y en sus derechos necesitan que se cuente, que las nuevas generaciones lo sepan, que empaticen con su sufrimiento. Todavía quedan sobrevivientes como la propia Pepita de la que he leído que es un personaje real en el que se basó la escritora Dulce Chacón para la novela que da origen a esta película emocionante, sincera y necesaria.

Benito Zambrano demuestra otra vez su magistral capacidad para hablar de los sentimientos, del sufrimiento de los humillados, de la dignidad de los ofendidos y está ayudado en ese empeño por un elenco de actores insuperables con una María León que se va a llevar sin ninguna duda el Goya a la actriz revelación por este trabajo asombroso donde me conmueve y me emociona como nadie lo había hecho desde hace mucho, mucho tiempo. Imprescindible.

Calificación: ****

"Todo es silencio" (Rodajes en ciudad de la Luz)

2011-10-17T19:40:00.000+02:00

Photos by: Scotty

Nuevo rodaje en Ciudad de la Luz. Se trata de la película de JoséLuis Cuerda Todo es silencio, una producción deGerardo Herrero y Antonio Saura, cuyos exteriores ya se han filmadoen Galicia, en donde trascurre la trama. Las localizaciones se hanelegido en las zonas de Muros y alrededores, Coruña y alrededores yactualmente se graban los interiores en los estudios alicantinos.

Cuerda ha asegurado que Todo es silencio no es unapelícula que hable de ideologías sino que en ella priman lossentimientos, la bondad, la amistad y, sobretodo, la verdad.

Según sus palabras es la película de la que siente másorgulloso y está muy contento con los resultados pues es la primeravez que consigue visualizar todas las ideas que tenía en la cabezasobre cómo debería ser una vez acabada.

Se muestra muy satisfecho con el reparto y ha elogiado el trabajoconjunto de los mismos. Un elenco compuesto por Miguel ÁngelSilvestre, Celia Freijoo, Xoque Carvajal, Teresa Hurtado, QuimGutiérrez y el niño Grabriel Ángel Delgado, que va a ser todo undescubrimiento para el público.

Efectivamente, en la rueda de prensa el chiquillo ha acaparadoprotagonismo con su desparpajo y simpatía y se ha comportado comotodo un actor contestando a los periodistas.
Según José luis Cuerda Todo es silencio va a seren esencia una película romántica en el sentido más académico.

El guión viene firmado por el escritor Manuel Rivas, con el queya trabajó en uno de los grandes éxitos del director albaceteño, La lengua de las mariposas. Los productores Gerardo Herrero yAntonio Saura han asegurado que Todoes silencio será una de las películas españolas másimportantes de las que se estrenen en la próxima temporada.

El argumento transcurre en...

Noitía, en la costa atlántica, en Galicia, a finales de losaños sesenta. Fins y Brinco son dos adolescentes con una relaciónde amistosa rivalidad en medio de la cual se encuentra Leda, algomayor que ellos, que no tarda mucho en mostrar su preferencia porFins, al que arrastra a la búsqueda de los tesoros que losnaufragios arrojan a las playas, al tiempo que su relación pasa dela amistad a la intimidad del primer amor. La relación de Fins yLeda se interrumpe bruscamente cuando él se ve obligado a marcharsedel pueblo, tras la muerte de los padres de ambos en un accidentemientras pescan con dinamita. Es la primera vez que Malpica, el padrede Fins, ensaya tal modalidad prohibida.

"FIN" (Rodajes en Ciudad de la Luz)

2011-10-14T18:20:00.000+02:00

Maribel Verdú, Jorge Torregrossa, Clara Lago y Daniel Grao. Gracias, Clara, por esa luminosa mirada...

Los estudios alicantinos Ciudad de la Luz acogen duranteestos días el rodaje de la película Fin, dirigida por el alicantino Jorge Torregrossa,que debuta aquí en el largo tras una carrera en las que abunda la realizaciónde cortometrajes y seriesde televisión.

Maribel Verdú contesta muy tranquila. Parece que piense "Este becario debe pensar que muerdo..."

Fin se basa en la novela homónima de David Monteagudo y cuenta cómo un grupo deamigos de la infancia van a trastocar sus vidas al decidir reunirse tras añossin verse.

Clara Lago "se recompone" para salir guapa en las fotos. Junto a ella, Daniel Grao.

Para ello se traslada a una cabaña rural en la que piensan pasar unos días devacaciones y recordar viejos tiempos. Un suceso del pasado del que parece quenadie quiere hablar acabará imponiéndose.

Técnicos de rodaje controlan que las imágenes que se filman sean las que quiere el director.

Otro suceso imprevisto los va a dejar esta vez aislados en la montaña sacando a flote lasdiferentes caras ocultas de cada uno. El guión es de Jorge Gerricaechevarría ySergio G. Sánchez.

Fernando Bovaria (productor), José Antonio Escrivá, Maribel Verdú, Daniel Grao, Jorge Torregrossa, Y Clara Lago.

La película está interpretada por Maribel Verdú, Clara Lago,Daniel Grao y Blanca Romero, entre otros. Los tres primeros han comparecido hoy ante los mediosacompañados del propio Jorge Torregrosa, el productor (Fernando Bovaria) y elnuevo director de Ciudad de la Luz, José Antonio Escrivá.

Actores y director, posan tan panchos recostados en el decorado que reproduce el albergue de montaña.

En medio del set de rodaje, del que se nos ha permitidohacer fotos sin ninguna restricción, se han sometido los tres a las preguntasde los medios de comunicación.

José Antonio Escrivá "acosado" por micrófonos y cámaras.

Maribel Verdú, Clara Lago y Daniel Grao coinciden en queTorregrossa está haciendo un gran trabajo y que se están muy contentos con participaren el filme, del que creen que va a ser uno de los grandes acontecimientos delcine español en la próxima temporada.

Micrófonos y cámaras para todos. Derecha: Clara Lago, centro: Jorge Torregrossa, izquierda: Daniel Grao.

Por su parte, José Antonio Escrivá ha hablado del nuevoimpulso que los estudios están tomando, con una serie de rodajes ya en acción ygrandes proyectos en perspectiva, como la precuela de la mítica cinta de ciencia ficción, Alien.

Rodaje. Interior coche: Clara Lago y Daniel Grao circulan por una carretera angosta. A la derecha, ayudante técnico simulando las sombras nocturnas de las ramas de los árboles.

Las fotos que ilustran el post están hechas por Scotty y son exclusivas para El Blog de Scotty.

PRINCESA ROTA la web-serie que no hay que perderse.

2011-10-09T14:22:00.004+02:00

Fernado Corta con dos de sus actrices

La serie Princesa Rota comienza su andadura en la Red.

El Blog de Scotty hace una excepción y por primera vez deja de hablar de películas ubicadas en lo que podríamos llamar cine convencional, el cine integrado en la primera división de la industria, ese que hacen los artistas consagrados y los que tiene el privilegio de acceder por primera vez con sus obras a la gran pantalla.

Mariángeles Ceballos y Francisco Escribano

La actriz Ángela Soler

Las “web series” están despertando un interés inusitado en los espectadores de todo el mundo al poderse acceder a este formato con la comodidad que nos da hacerlo cuando podemos o queremos sin la esclavitud de horarios rígidos y sin tener que gastarse el importe de una entrada. Este nuevo sistema está abriendo puertas que no están dudando en traspasar incluso los grandes cineastas ya consagrados.

Fernando Corta, Mariángeles Ceballos, (?), Francisco Escribano y Fernando Corral... que no soporta que las actrices le quiten plano.

El alicantino Fernado Corta, que cuenta con una amplia experiencia tanto como autor teatral, como director y guionista de cine, o como actor, se lanza a la aventura de esta nueva modalidad y nos presenta su trabajo más ambicioso, Princesa Rota, web-serie que ha despertado una gran expectación ya desde que se anunció su proyecto. Un proyecto que ha llegado por fin a feliz término y ayer mismo empezó a emitirse en la Red.

Ezequiel Campos "a dos manos" con dos de las chicas de Princesa Rota

Creo interesante hacer a Princesa Rota un hueco en este blog “de cine”. En realidad lo que se podrá ver a los largo de los catorce capítulo de que consta la web-serie no es sino cine en pequeño formato, hecho con apasionamiento y ganas de traspasar las barreras qeu se einterponen entre la gran industria y los productos hechos de forma independiente, al márgen de la misma.

Paco Escribano con dos princesas. A la izquierda, la princesita del título, Natalia Zamora.

Princesa Rota va a dar que hablar y va a interesar a todo aquel que entre a ver su primer capítulo, cuyo enlace (pinchar aquí) dejo en esta entrada para que todos los lectores de El Blog de Scotty puedan ponerse en contacto con la serie. Se van a enganchar a ella sin ninguna duda.

Silvia Galvé y Laura Arjona acompañadas de uno de los compañeros de la serie.

Las fotos que incluyo (hechas por Scotty con alguna que otra ayuda) son de la presentación en sociedad de esta web-serie pionera que, según vayan avanzando los capítulos, irá dejando constancia de la validez de este nuevo formato que va a ir creciendo vertiginosamente en los próximos meses.

Ezequiel Campos y Juan Carlos Gascón esperando turno para rodar.

Os recomiendo sin reservas disfrutar de cada capítulo de Princesa rota desde cada sábado a las ocho de la tarde. La primera temporada consta de catorce, pero seguidamente habrán bastantes más pues es seguro que se rodará una segunda.

A disfrutarla a partir de cada sábado. Debajo os pongo el teaser para abrir boca.
El capítulo primero ya en la web de Princesa Rota (pichar)

Inminente estreno de "EL SUEÑO DE IVÁN"

2011-10-05T16:04:00.002+02:00

Las fotos no firmadas son gentileza de la distribuidora

El próximo día 14 de Octubre llega por fin a las pantallas españolas El sueño de Iván. La expectación que la película está acaparando se debe, tanto a los aficionados al cine sin más, como a los aficionados al fútbol. Internet echa humo debido a las miles de consultas en los buscadores, donde el público busca todo tipo de información sobre la película. Sin ir más lejos, la entrada que en su día le dedicó El Blog de Scotty con motivo de su rodaje, es la más visitada de toda la historia del blog. Algo realmente insólito cuando lo que se aborda en dicha entrada es un mero reportaje sobre la presentación a la prensa de una película que sólo levaba algunos días de rodaje.

Remitido a El Blog de Scotty por la productora, nos hacemos aquí eco de su inmediato estreno.

Foto de rodaje: Scotty

La semana que vien saldremos de dudas y comprobaremos si el interés despertado por la película desde mucho antes de su estreno, es fundamentado.

Foto de rodaje: Scotty

El argumento es el siguiente:

Iván es unniño de once años que va a jugar contra los campeones del mundo de fútbol.

Y que va avivir su primera gran historia de amor.

Por primeravez en la historia, una selección mundial de estrellas, un equipo que congregaa millones de personas delante de la televisión, jugará contra una SelecciónMundial de... ¡Niños!

Por qué?Para recaudar fondos y ayudar a las víctimas de un terrible terremoto ocurridoen África.

Esto ocurre muchasveces: que equipos profesionales, o estrellas de fútbol, organizan partidosbenéficos.

Lo que nuncahabía ocurrido antes es que un partido así lo jueguen niños.

La propuestaha sido de UNICEF y FIFA. El seísmo ha provocado cientos de miles de niñosdesplazados, heridos y refugiados. Ha llegado la hora de dar una llamada deatención a todo el mundo. La crisis mundial exige reclamos drásticos.

Y ahíempieza nuestra película: Iván, un niño de once años, es elegido paraparticipar en la Selección Mundial Infantil.

En el míticoestadio Azteca de México, vamos a asistir al partido más imprevisible ydisparatado que se recuerde en la historia del fútbol. Pero también unode los más espectaculares.

Al mismotiempo, Iván tendrá que conquistar a Paula y competir con Morenilla, un niño desu colegio que anda detrás de la misma chica, que le saca una cabeza, y queademás es mucho mejor jugando al fútbol.

Una historiade aventuras para toda la familia.

FICHAARTÍSTICA

IVÁN Óscar Casas

PAULA Carla Campra

MORENILLA Fergus Riordan

ENTRENADORTORRES Demián Bichir

AMY Ana Claudia Talancón

ELABUELO Antonio Resines

TORIBIO Fernando Tejero

GALLARDO Ernesto Alterio

Con laparticipación especial de Diego Forlán - Embajador de UNICEF

Notas del director

"El 22 de junio de 1986 ocurrió un milagro en la ciudad de México. Un chavalbajito de veintipocos años cogió un balón de fútbol e hizo magia delante de milmillones de personas. El muchacho se llamaba Diego Armando Maradona. Cruzó el campo con la pelotapegada a su pie izquierdo. Regateó a la selección inglesa... y metió el gol máshermoso que jamás ha metido un ser humano en un campo de fútbol.

Este hecho ocurrió en el mítico estadio Azteca, en México D.F., también
conocido como El Coloso de Santa Úrsula, el único estadio en el que se hancelebrado dos finales de un Mundial. Pues bien, aquí, en este escenario único ocurre nuestra película.

Aquel 22 de junio yo tenía 17 años. Estudiaba cine en la Escuela de Madrid.Y pensé que la tensión dramática y la emoción que había conseguido DiegoArmando aquella tarde era muy difícil de alcanzar en una película. Durantemuchos años, he buscado encontrar una historia en la que pudiera unir dospasiones irrenunciables: fútbol y cine.

Creo sinceramente que EL SUEÑO DE IVÁN es una película honesta que respondea esta búsqueda de años, y que habla de la ilusión por ser mejor deportista,mejor compañero y sobre todo mejor persona.

Iván es el niño que todos tenemos dentro. Ese niño que alguna vez ha soñadocon jugar un Mundial, o disputar un gran partido al lado de ídolos como Messi oCristiano Ronaldo... Todos somos Iván: un niño que abre los ojos y vive suprimer amor, su primer gran viaje al otro lado del océano, y también su primerdesengaño.

Ésta es una historia con valores positivos sobre lo que significa crecer. Ysobre lo importante que es tener pasión por las cosas que hacemos.
Sea un gol, o una película".

Roberto Santiago

Marisa Mell

2011-10-02T21:46:00.000+02:00

Sensualidad y erotismo para la serie B

Vamos a recordar en este post a una bellísima actriz quedurante toda su trayectoria artística se movió siempre dentro del cine de serieB europeo.

No llegó nunca a ser una gran estrella ni, por descontado,una gran intérprete, pero su presencia y su magnetismo no pasaban desapercibidopara el espectador de aquellos años.

Durante casi toda su carrera Marisa Mell exhibió uno de losfísicos más impresionantes que podían verse en las pantallas de los cines deentonces.

Marisa Mell fue una actriz recurrente en programas dobles de cines de barrio, los que tanto proliferaron en todas lasciudades del Continente durante la década de los años sesenta y setenta.

Nacida en Graz (Austria) en 1939 la Mell (así se la nombraba en bastantesmedios) debutó cuando había recién cumplido los veinte años, en una películaalemana titulada El bravo soldado Schwejk.

Allí pasó muydesapercibida, pero al año siguiente sí que atrae la atención de losespectadores en un melodrama titulado El amor se paga con la muerte.

Consigue que se interesen por ella desde otros países y en 1961 ya está instalada en Reino Unido,donde su primer trabajo lo realiza junto a Christopher Lee y Klaus Kinski elpolicial de Helmut Hasley titulado en España Gánsters en Londres.

En Inglaterra se hace una estrella de segunda importancia (esosí) pero eso no la privó de salir en películas de cierto fuste ni de serdirigida por directores que desspués acabaron instalados en la categoría de autores.

Así, en 1962, en el debut en la dirección del siemprehistriónico y sobrevalorado Ken Russell (Elgar), interpretó a una sosías del personajeBrigitte Bardot, con la que, a mi juicio, se la comparó con demasiada precipitación. No llegó a dar latalla.

Su misteriosa belleza y las connotaciones de perversidad desu sugerente erotismo la encasillaron en películas de misterio, thrillers, deterror, aventuras… siempre como complemento erótico del antagonista.

Fue un sex simbol más bien doméstico que nologró traspasar la línea de las películas de género con escasas o nulasambiciones.

A partir del éxito delas primeras películas de James Bond se pudo ver en muchas de las imitacionesque se rodaron como relleno con destino a los anteriormente referidos programasdobles.

Trampa bajo el sol (1964) Agentes dobles y NuevaYork llama a Superdrago ( las dos de 1965) Diabolik (1967) quizásdonde más bella se la pudo ver, etc. entraron dentro de este género.

El spaguettiwestern también la reclamó (Todos hermanos en el Oeste (1971) Lesllamaban dos sinvergüenzas (1972)…

En los setenta se hizo habitual de las películas de intrigacriminal a la española. En nuestro país rodó algunos de sus interpretacionesmás interesantes tales como en Una historia perversa (1969)coproducida con Italia y dirigida por Lucio Fulci.

Marta (1971) y Historiade una traición ambas dirigidas por el minusvalorado y hoy muy olvidadoJosé Antonio Nieves-Conde, la pusieron de nuevo en el candelero.

Las dos junto a uncrepuscular Stephen Boyd, al que se comió sin ninguna dificultad, debido a laevidente enfermedad que ya minaba al inolvidable Mesala de Ben-Hur.

Tampoco despreció el erotismochabacano que arrasaba en la década de los setenta (Taxista de señoras) o elcine de terror de consumo surgido al calor de Psicosis, ElExorcista o La semilla del diablo, como en Parapsycho, (1975) o Poseída(1977).

Tras perderse definitivamente en el cine erótico de serie Z,su carrera se dio por terminada en 1991. La película de más prestigio en su filmografía puedeque sea Casanova 70 (1965) dirigida por Mario Monicelli donde actuójunto al gran Marcello Mastroianni.

Falleció en 1992 a causa de un cáncer. Tenía 53 años.

Four lions (estreno de la semana)

2011-09-26T18:18:00.014+02:00

Islamismo y sátira

El próximo viernes se estrena en toda España la película inglesa Four Lions. Una sátira sobre el terrorismo islámico que ha levantado ampollas en los sectores más contestatarios del país. La película viene precedida de un gran éxito en Gran Bretaña y avalada por un premio importante del festival de Sundance del año pasado. Remitido para El Blog de Scotty por la distribuidora, Alta Films, creo intersante darle cabida en el mismo. Four lions consiguió el pasado año el Bafta 2011 al Mejor Nuevo Talento Británico para Chris Morris, director y guionista, en el Festival de Sundance 2010.

Cuatro musulmanes que viven en Gran Bretaña toman la decisión de convertirse en terroristas. Omar y Waj deciden viajar a Pakistán para asistir a un campo de adiestramiento para kamikazes, mientras que Barry y Fessal se dedican a adiestrar cuervos para que transporten bombas a través de las ventanas de los edificios. A los cuatro, se une un quinto terrorista, que sin embargo termina matándose accidentalmente durante un ejercicio.

En una ciudad británica, cuatro hombres tienen un plan secreto. Omar (Riz Ahmed) está desilusionado con el trato que se da a los musulmanes en el mundo y está decidido a convertirse en soldado. Ésta es la idea más excitante que Waj (Kayvan Novak) había oído nunca. Mejor todavía, es una tontería porque Omar se guarda esa idea para él. Opuesto a Omar y a todo bicho viviente es el blanco occidental convertido al islam, Barry (Nigel Lindsay), que se habría dado cuenta de que se había unido a la célula para canalizar su nihilismo -si hubiera tenido la mitad de autoconocimiento de un pato-. Faisal (Adell Akhtar) es el hombre que está de más. Puede hacer una bomba, pero no puede volarse en ese momento porque su padre enfermo "ha empezado a comerse los periódicos". En cambio, se dedica a entrenar a cuervos para que introduzcan bombas por las ventanas. Esto es lo que Omar tiene que manejar. Tienen que dar un golpe decisivo en su propio jardín, pero ¿puede cualquiera de ellos encender una cerilla sin darse en la cara?

Esta película no es ni pro ni antirreligiosa. La comedia surge de los conflictos de los personajes, de sus excesos y errores.Crepitando con ingenio y tensión, Four lions es la respuesta esencial a nuestro fracaso para interconectar con la realidad y una apuesta por la idea de que reír es mejor que matar.

Notas del director

Estalla una bomba. Lloramos desconsoladamente. Luego tratamos de calmarnos. Cerramos la puerta a nuestro temor. Nos vamos de compras. Así que ahora nuestro temor actúa en la oscuridad. Infesta la estructura. Cambiamos nuestras leyes. Restringimos nuestras libertades. Arremetemos contra los extranjeros. Genial. Naturalmente, estamos deseando reírnos de nuestros temores, pero no sabemos cómo. ¿Dónde está la broma en el terrorismo? En realidad, como lo demuestra FOUR LIONS, está ante nosotros, mirándonos directamente a la cara. En los campos de adiestramiento yihadistas los jóvenes discuten acerca de la miel, de dispararse mutuamente a los pies, de cazar serpientes y de ser expulsados por fumar. Cuando se burlaban del secuestrador del 11-S Mohamed Atta por mear demasiado alto, culpó a los judíos por hacer las puertas de los baños demasiado finas. En su vídeo, un futuro terrorista se detiene y pregunta al cámara: "¿Puede repetirme la pregunta?".

Uno de los cerebros de los terroristas, Khalid Sheikh Mohamed, dedica dos horas a buscar ropa que no le haga parecer gordo ante la cámara. En tres años de investigación, he hablado con expertos en terrorismo, imanes, policía, servicios secretos y cientos de musulmanes. Incluso los que se han entrenado y han luchado en la yihad hablan de lo frecuente que es lo disparatado. A comienzos del milenio, cinco yihadistas planearon chocar contra un buque de guerra estadounidense con una lancha llena de bombas. A altas horas de la noche deslizaron la lancha en el agua. La llenaron de explosivos. Subieron. Se hundió. Las células terroristas tienen la misma dinámica de grupo que las fiestas de solteros y los equipos de futbito. Hay conflicto, amistad, malentendidos y rivalidad. El terrorismo tiene que ver con la ideología, pero también con los imbéciles.

Chris Morris

Durante veinte años, Chris Morris ha sido una fuerza creativa e inspiradora en radio y televisión. Como locutor, guionista, escritor satírico, productor e intérprete, ha entretenido y asombrado al público con un estilo de comedia audaz e innovador. Four lions es su debut en el largometraje, pero su primera incursión en el cine, My Wrongs 824-8249 & 117, obtuvo un Premio BAFTA en 2002 al Mejor Cortometraje.

La influencia de Chris en la televisión británica empezó con la galardonada serie de humor de la BBC 2, The Day Today (1994-2004), que se burlaba del lenguaje de los noticieros. Como cocreador, guionista, presentador y coproductor de The Day Today, Chris trabajó con Steve Coogan y Armando Iannucci para producir la comedia británica más decisiva de la década. Morris estableció una estrecha relación con Channel 4, que en 1997 emitió su serie más famosa, Brass Eye. En esta redefinición del género, abordó la histeria de los medios haciendo entrevistas personales e induciendo a políticos y famosos a apoyar causas imposibles.

En 2002, Brass Eye fue preseleccionada para los premios BAFTA para televisión.

Además, Morris ideó, escribió y dirigió Jam, "la comedia más perturbadora emitida por televisión", coescribió y dirigió la comedia satírica de culto Nathan Barley (2005) y actuó en The IT Crowd (2006), también para Channel 4.

Chris Morris también ha escrito y actuado extensamente para radio (The Chris Morris Show, On the Hour y Why Brother?).

No habrá paz para los malvados (Rodajes en Ciudad de la Luz)

2011-09-23T22:06:00.022+02:00

Hoy ha tenido lugar en la sala de proyecciones del complejo cinematográfico Ciudad de la Luz (Alicante) la presentación de la película de enrique Urbizu No habrá paz para los malvados que, con unas horas de adelanto al resto de las salas españolas, hemos podido disfrutar en su pase para la prensa.

José Antonio Escrvá, Helena Miquel, José Coronado, Enrique Urbizu y GonzaloSalazar (Foto:Scotty)

No habrá paz para los malvados se ha rodado casi íntegramente en Alicante, hasta donde se han desplazado, para someterse a las preguntas de los periodistas parte del equipo, formado por Enrique Urbizu, José Coronado, Helena Miquel y Gonzalo Salazar (productor) arropados por el flamante director del complejo, José Antonio Escrivá.

José Coronado, Paco Escribano, Enrique Urbizu y Helena Miquel (Foto: Juan Carlos Soler)

Las entrevistas para prensa y televisión no son mi cometido por lo que, yendo al grano, hago ya mi comentario sobre No habrá paz para los malvados.

Foto: Juan Carlos soler

No habrá paz para los malvados es un intenso thriller en el que Enrique Urbizu disecciona de forma compleja y apasionada la personalidad de un policía en plena decadencia física y existencial que se ve envuelto de forma imprevista en un triple asesinato.

Un hecho que va a sacar a relucir los rincones más oscuros de su personalidad y a remover un turbio pasado del que creía haber escapado indemne. Su prestigio como policía y su apuntalada relevancia en la escala profesional se van a venir abajo al ser arrastrado por unos acontecimientos que no va a poder controlar.

La tragedia, de tintes épicos, le está espera en el último tramo de su carrera, tanto profesional como vital, lo que le va a permitir redimirse de un pasado lleno de claroscuros. Una redención que la atormentada culpabilidad que arrastra le está pidiendo a gritos.
Foto: Juan Carlos Soler

Urbizu confiere a No habrá paz para los malvados una textura que remite al mejor cine negro de los sesenta. Ese que firmaban Don Siegel o, sobre todo, Jean Pierre Melville con el que tiene bastantes puntos de coincidencia en esta película trepidante que casa con inteligencia la acción, la denuncia y la épica del perdedor.
Foto: Juan Carlos Soler

No tan magistralmente como Melville en El silencio de un hombre (y tantas otras) o John Boorman en A quemarropa, pero sí de forma notable. Es curioso que el actor fetiche de Melville, Alain Delon, probara con fortuna el género y el “universo” Melville en una película que pudo haber firmado éste: Por la piel de un policía, con la que también podemos encontrar apuntes.
Foto: Juan carlos Soler

No habrá paz para los malvados se suma a los mejores títulos españoles del thriller y junto a La caja 507, del propio Urbizu ( también con José Coronado de protagonista), y Celda 211 conforman con suficiencia un género poco transitado por el cine español de los últimos años, dándole carta de naturaleza.
Ojalá se hagan más películas como estas y no se trunque tan prometedora vía como ocurrió en los cincuenta y sesenta con películas tan valiosas como Los peces rojos, de Francisco Rovira-Veleta (1957) o A tiro limpio (1963) de Francisco Pérez Dolz, ambas versionadas en los últimos años con resultados absolutamente anodinos.

El thriller clásico adaptado a los nuevos tiempos y a los viejos temas con renovados paisajes en donde la prostitución, la droga o la emigración a veces sirven de cortina de humo para intereses o metas más siniestras como vamos a descubrir al final.
No habrá paz para los malvados es una película llena de nervio e intensidad interpretada de forma magistral por un José Coronado cuyo personaje, Santos Trinidad, va a quedar como uno de los mejores retratos de degradación, expiación y redención (tan queridos por el thriller clásico) que el cine español nos haya ofrecido en años.
Calificación: ***

El árbol de la vida

2011-09-21T14:54:00.014+02:00

2011: Una odisea a años luz

Llevo varios días mordiéndome la lengua para evitar opinar sobre la última "obra maestra" de "el gran" Terrence Malick, pero ya no puedo más ante tanta opinión epatante que estoy leyendo por algunos sitios. Voy a ser muy breve, no tengo tiempo para extenderme:

Incompresible me resulta que El árbol de la vida (qué bonito título sableado a una película de Edward Dmytryk) haya ganado la Palma de Oro en Cannes.

Pretenciosa, reaccionaria, aburrida, sermoneante (de un incómodo ultrafundamentalismo militante), incongruente... un tostón. Emula a Kubrick con resultados pésimos. Está a años luz del autor de "2001", película a la que por cierto imita (y fusila) en demasiados aspectos. Claro que decirlo no queda guay. "Malick a la altura de Kubrick". No se lo creen ni sus más acérrimos defensores.

Las deserciones de los espectadores y sus quejas en voz alta fueron lo mas estimulante de la proyección a la que asistí. Constaté que el público no se deja engañar por los críticos (no todos) que ensalzan este pestiño. Qué profundo. Qué metafísico, Qué trascendente. Cuánto lirismo... Qué gilipollez de película.

Calificación: **

Cine español para los Oscar

2011-09-15T13:33:00.013+02:00

La gran carrera : Tres cineastas dejándose la piel

Las películas elegidas por la Academia del Cine como finalistas en la preselección para representar a España en los próximos premios Oscar no aportan ninguna sorpresa. Si acaso, como ya es habitual en los últimos años, se incluye una película que todavía no han visto ni valorado los espectadores, en un acto casi de prepotencia por parte de los académicos, que demuestran importarles muy poco lo que opine la crítica y el público. Ellos e bastan y se sobran para saber qué es lo más adecuado.

Lo más adecuado es sin duda el pragmatismo. Me explico: si fuera de España, el único cineasta español que parte bacalao es Almodóvar, pues mandemos a Almodóvar. Que su película sea o no sea la mejor, es secundario: hay que apostar por lo más probable y no por lo mejor. Me parece una postura inteligente. Si queremos ser premiados, él nos aporta las mayores posibilidades.

Todo esto, al margen de que La piel que habito sea la mejor película de las tres candidatas lo que, en esta ocasión, no me lo parece ni de lejos. Almodóvar lleva estancado en su “universo” temático y estilístico desde que creyó haber madurado, se puso trascendente y sus imposibles historias de personajes en constante conflicto con su sexualidad dejaron el humor y se aferraron al melodrama para expresarse.

Un cambio de registro, en mi opinión, fallido, pues la vena petarda de Almodóvar, innata en la personalidad del director más polémico y exitosos del cine español, impregna todos estos dramas que en sus últimas películas alcanzan el delirio. Nos quiere hacer creer que es capaz de emular a Bergman, Buñuel, Mankiewicz o Georges Franju, pero sus capacidades no van más allá de John Waters.

Siendo más explícitos: sus circunspectas últimas películas, que están contaminadas de ese típico estilo “plumero” (de pluma mariquita, vamos) que tanto éxito le reporto en las comedias. No es cuestionable que en cada película repita un tema monocorde (homosexualidad, travestismo, cambio de sexo), es que Almodóvar no sabe atenerse a las más elementales reglas de género y divaga dando palos de ciego. No es que en sus películas mezcle con su proverbial y evidente falta de prejuicios temas y estilos, es que no sabe hacerlo y les salen incongruentes híbridos que no son ni carne ni pescado.

No voy a extenderme en este tema ni a centrarme en un supuesto análisis de la película que, con seguridad, nos va a representar en los premios Oscar de este año. Pero diré que La piel que habito me parece tan mala como Los abrazos rotos o La mala educación, que acumula un nutrido muestrario de los peores defectos del cineasta manchego (citas cinéfilas de manual, escenas dramáticas “rotas” por involuntarios (¿) golpes de humor petardo que llegan a hacerte sonrojar (un par de muestras: Antonio Banderas intenta hacer el amor con Elena Anaya y esta le viene a decir que no le apetece porque el “tigretón” que la ha violado le ha dejado su flamante vagina hecha unos zorros; o, como enésimo recurso, esa locutora que vemos en la televisión, una señora cincuentona con pinta de “maruja”, algo que ya tenemos demasiado visto, amén de un final postizo, alargado e innecesario donde se dan explicaciones verbales de lo que ya sabemos porque lo hemos visto).

Me sorprendería mucho que la elegida fuera Pa negre, descartada entre otros motivos por ser catalana y, como La voz dormida, tratar de la postguerra... Ya sabemos cómo se las gastan los contrarios a “los de la ceja” con el tema del cine, de la postguerra y de Cataluña. Mejor no provocarlos.

Tengo puestas muchas esperanzas en La voz dormida por estar firmada por ese director que tan certeramente retrata los sentimientos como es el Benito Zambrano de Solas, Padre coraje (TV) o Habana Blues. Me da igual que la manden o no a los Oscar. Yo quiero verla cuanto antes.

Gina Lollobrigida

2011-08-30T18:28:00.025+02:00

La mujer más guapa del mundo

Vamos a recordar ahora a Gina Lollobrigida, una de las actrices más populares de los años cincuenta y sesenta del siglo pasado.

Agrupada en el atajo de maggioratas que arrasaron en la cinematografía italiana por aquellos años, “la Lollo” -como llegó a ser conocida por el público, que solucionaba así la larga y dificultosa pronunciación de su apellido- acabó haciendo carrera internacional gracias al interés que el cine americano prestó a ese grupo de bellezas que llenaban las películas italianas de erotismo y sensualidad.

El grupo estaba formado entre otras además de por la Lollo, por Sofía Loren, Claudia Cardinale, Virna Lisi, Gianna María Canale, Silva Koscina, Elsa Martinelli, Lucía Bosé, Anita Ekberg, Silvana Pampanini y un largo etcétera.

Casi todas procedían de los concursos de belleza, entonces un trampolín seguro para conseguir el estrellato cinematográfico. Naturalmente, para que las consideraran actrices deberían demostrar otras cualidades además de poseer un físico espectacular.

Pero el paso más importante, el de ponerse en primera fila de exposición para que los buscadores de de estrellas cinematográficas se fijaran en ellas, ya estaba dado. El año 1947 fue especialmente productivo en cuanto a aportaciones de guapas procedentes de los concursos de belleza.

El de Miss Italia fue ganado ese año por Lucía Bosé, quedando como primera y segunda damas de honor Gianna María Canale y Gina Lollobrigida. Las tres hicieron carrera en el cine si bien fue Gina Lollobrigida la que más fama alcanzó y cuya carrera se prolongó en el tiempo.

No sabemos hasta donde hubiera llegado la guapísima y buena actriz Lucía Bosé puesto que lo abandonó todo para dedicarse a aguantar las infidelidades del torero español Luis Miguel Dominguín, con el que se casó, y para convertirse en la abnegada madre de los hijos que éste le dio.

Por su parte, Gianna maría Canale hizo una discreta carrera cinematográfica especializándose en el género péplum donde fue la reina del las túnicas, de los generosos escotes y de las melenas colas de caballo adornadas con los más variopintos modelos de diademas y coronas. Pero cuando el género se fue a pique, la Canale desapreció de las pantallas.

Gina Lollobrigida supo adaptarse a los cambios y a las modas y, junto a Sofía Loren, fue el paradigma de las bersaglieras que evolucionaron de rústicas italianas a sofisticadas estrellas de Hollywood y acabó instalándose en el cine americano interviniendo en varias de las películas más taquilleras de aquellos años.

Su carrera americana empezó en el año 1951, cuando ya había interpretado papeles más o menos significativos en varias películas de su país. En Francia rodó en el año 1951 Fanfan el invencible, una película de época dirigida por el entonces prestigioso director Christan Jaque.

Puede decirse que es aquí donde comienza el meteórico ascenso de la Lollo, pues en ella se fija nada menos que el magnate americano del cine Howard Hughes que se interesa por ella y la requiere para lanzarla en los Estados Unidos.

Las negociaciones no llegaron a buen puerto hasta varios años después, pero en el 51 Gina triunfa a lo grande una película que acababa de rodar en su país y por la que nadie había apostado demasiado.

Pan, amor y fantasía (Luigi Comencini) se convirtió en un gran éxito internacional en el que Gina Lolobrigida era la típica italiana rural tosca y asilvestrada que, inconsciente de sus encantos, los despliega de forma natural y espontánea con la inestimable ayuda de un vestuario compuesto esencialmente por harapos.

En Pan, amor y fantasía era una campesina que iba despertando la libido de todo varón con el que se cruzaba, en especial la de un carabinieri viejo verde que interpretaba con especial encanto el actor/director Vittorio de Sica. Tal fue el éxito de la película, que tuvo varias secuelas y hasta Sofía Loren acabó imitándola.

Hay que decir que a España también llegó la fiebre de panes, amores y otras coletillas, convirtiendo a Carmen Sevilla en la menos ilustre de las protagonista de la saga en la que se llamó Pan amor y Andalucía.

Pero fue con una de estas secuelas, Pan, amor y celos, con la que Gina empezó a llamar de nuevo la atención del cine americano, aunque ya había intervenido en ese país en un film que apenas se vio pero que con el tiempo fue reivindicado como una obra maestra: me refiero a La burla del diablo, del director John Huston.

Sin duda Hollywood vio infinitas posibilidades detrás de las turgencias que se podían entrever tras los harapos de la popolona y en 1955 rueda su primera película ya instalada como una gran estrella del cine americano. Nada de harapos en Hollywood.

Allí le reservaban un papel por el que suspiraban infinidad de actrices ya instaladas en el estrellato. Nos referimos a La mujer más guapa del mundo (1955) de Robert Z. Leonard, que la convirtió en toda una sensación a nivel mundial. En ella interpretava a la gran soprano italiana Lina Cavalieri. Desde entonces y durante años a la ex bersagliera se la conoció como “la mujer más guapa del mundo".

Entre los grandes éxitos de la Lollo en el cine americano merece citarse Trapecio (1956) de Carol Red, junto a Burt Lancaster y Tony Curtis, Desnuda frente al mundo (1961) de un tal Ronald McDougal, que quizás sea la película donde más sensual apareció y donde hacía un personaje primo hermano del de Liz Taylor en La mujer marcada, luciendo un look casi calcado.

Otro de sus grandes éxitos fue la comedia Cuando llegue septiembre, junto a Rock Hudson -los dos en plenas facultades físicas-, que también se convirtió en uno de los grandes éxitos de la comedia americana de los 60.

En 1973, cuando ya era evidente que habían pasado sus mejores años, dejó el cine para dedicarse a la fotografía donde también cosecho un gran éxito y prestigio. Antes de retirarse definitivamente del cine intervino en producciones europeas de segundo orden como en las españolas El hombre de Río Malo (1971) un spaguetti western dirigido por Eugenio Martín o en No encontré rosas para mi madre (1972) de Rovira Veleta.

En 1984 aceptó intervenir en la serie Falcon Crest pero su retorno ante las cámaras no tuvo continuidad. Hoy, a los 84 años cumplidos, está retirada de toda actividad… aunque todavía le quedan fuerzas para los romances, como el que hace muy poquitos años tuvo con un joven empresario español.

Ella siempre dijo que nunca quiso ser actriz y que su sueño de juventud era ser escultora. El concurso de miss Italia la derivó por otros caminos en los que se encontró atrapada entre romances sinceros y amantes ocasionales. Una vida que no la satisfizo. Estuvo casada durante años con un famoso cirujano esloveno llamado Milko Skofic.

En 1995 colaboró con otras grandes estrellas en una especie de homenaje al cine dirigido por la francesa Agnés Varda y en 1997 hizo su último cameo hasta la fecha en la película XXL, junto a Gérard Depardieu.

(Las fotografías no están necesariamente clasificadas. Los comentarios a las mismas los dejo a la capacidad de cada cual que las contemple)

Bésame tonto (Cine Nostalgia)

2011-08-25T18:18:00.024+02:00

Nadie es perfecto

Vista casi 50 años después de su realización, Bésame, tonto (Kiss me, stupid) no deja de sorprender por la carga de profundidad que la película esconde, interesada en dinamitar casi con saña las esencias más sagradas del estilo de vida americano en unos años en los que la moral y la familia eran tema sagrado a la hora de ser abordadas en el cine.

El marcarthismo había fenecido hacía ya casi una década pero todavía atenazaba con su reflujo los comportamientos y actitudes de una sociedad fuertemente puritana que, algunos años antescoincidiendo con la llegada de del Partido Demócrata al poder y con el carismático y revolucionario John F. Kennedy a la presidencia, había comenzado un espectacular cambio en la en sus costumbres.

Bésame, tonto (1964) se hizo en un contexto en el que esa ética y esa tradición puritana de una América cambiante todavía prevalecía en determinados estratos, principalmente en la américa rural, a la que se dio (y se sigue dando) en llamar la "américa profunda". En ese contexto puede justificarse el rechazo que la película produjo a los todavía persistentes sectores sociales reacios a asimilar las nuevas costumbres que se iban imponiendo en materia de moral.

Resulta como mínimo significativo que Bésame, tonto incomodara prácticamente en todos los Estados incluyendo a las áreas más desarrolladas y las franjas sociales más supuestamente progresistas.

Bésame, tonto fue un inmerecido fracaso comercial. Estamos ante otra obra maestra de las muchas que atesora la filmografía del gran Billy Wilder, enmarcada en el terreno de la comedia, desde cuyo género arremetió sin piedad contra las contradicciones y la hipocresía de un país pacato en lo sexual y en lo religioso, donde la represión, la doble moral y el disimulo era un comportamiento consecuente.

Un país que todavía no estaba preparado para que se le metiera el dedo en el ojo de una forma tan certeramente cínica, ni aunque se le molestara desde el punto de vista absolutamente festivo y desdramatizado de la comedia, género en el que reinaba ese tándem genial que fue para el cine de los cincuenta y sesenta A. L. Diamond /Billy Wilder.

Wilder nunca había llegado tan lejos como en Bésame, tonto en denunciar esa hipocresía y, conforme la película avanza, el espectador va aumentando su estupor por la osadía con que el director de El apartamento pone en evidencia las miserias de unos personajes arquetípicos a los que esta vez, y sin que sirva de continuidad, sitúa en un ambiente rural, propicio caldo de cultivo para escarbar en lo más ascentrales contradiciones y costumbres del país de las libertades.

Bésame, tonto es una comedia divertidísima y amarga (¿acaso no lo son todas las de Wilder?) en la que el director de Aquí un amigo llega mucho más lejos de lo habitual a la hora de denunciar ciertas actitudes de la sociedad americana. Es cierto que no podemos olvidar la posterior Primera plana (1974) donde quizás apretó aun más las tuercas al describir determinadas miserias patrias. Pero ya habían pasado más de diez años de la “incómoda” Bésame, tonto y América esta mucho más preparada para reirse de sí misma.

En esta historia genuinamente machista en la que un matrimonio felizmente casado acaba su sexta noche de aniversario de bodas cada uno en una cama diferente con una pareja diferente -por culpa de un marido bastante menos escrupuloso de lo que quiere aparentar en materia de moral-, Wilder (con la imprescindible ayuda de A.L.Diamond) lleva su crítica hasta las últimas consecuencias. Ni siquiera se permite un final moralizante que pudiera tranquilizar a los severos guardianes de las buenas costumbres.

De ahí que la película molestara y desconcertara al público que no supo cómo reaccionar. El sarcasmo, la ironía, la mala uva y el cinismo de Wilder no sentaron demasiado bien a nadie. Pero Bésame tonto con los años cabó siendo para su director uno de los mayores éxito de crítica y una película que ha sido reivindicada desde el principio por la crítica europea, consiguiendo ser citada como la quintaesencia wilderiana y como una de las mejores comedias de todos los tiempos. La sonrisa, la risa, la carcajada, acaban espoleando al espectador para congelarlo de pronto con un rictus, a veces de amargura, a veces de ternura, siempre de vida.

El espléndido uso de los actores es otro de los grandes aciertos de Bésame, tonto, en la que un carismático Dean Martin hace una certera caricatura de sí mismo y una sensual Kim Novak se atreve con un personaje “vulgar” (la prostituta Molly "la pistola") en un papel alejado de su anteriores grandes éxitos en Picnic (1955), Pal Joey (1957) o Vértigo (1958). Un año después de Bésame, tonto rodaría la película que puede considerarse su canto del cisne, La leyenda de Lilah Clare, a partir de la cual su carrera empezó a declinar.

Es de justicia citar las interpretaciones del resto de los protagonistas principales, Ray Walston, Felicia Farr y Cliff Osmond conformando un quinteto antológico, si bien Dean Martin lo tuvo bien fácil: sólo tenía que ser él mismo.

En España se estrenó con casi una década de retraso, en los estertores del franquismo, y aun así la película levantó las iras de los sectores más conservadores que la consideraron inmoral y ofensiva para la sacrosanta institución matrimonial. “Otro país”… (De Bésame tonto ya hemos hablado en el blog en la XII edición de la sección Pedazo de Caratel)

Calificación: *****

The last circus (Balada triste de trompeta)

2011-08-19T20:12:00.002+02:00

Balada triste de trompeta no ha explotado todavía todos sus cartuchos. Cuando ya la teníamos olvidada (o casi) y creíamos que ya tenía todo el pescado vendido, su estreno en Estados Unidos, donde ha sido una sensación, le abre las puertas a una carrera internacional imprevisible.

La crítica americana con el New York Times (pinchar) a la cabeza se ha visto gratamente sorprendida por su calidad y el impacto que la película de Álex de la Iglesia provoca en el espectador estadounidense no ha sido pasado por alto. En todas las ciudades donde se proyecta se ha erigido como el estreno más importante.de la semana.

Su carrera en Estados Unidos no ha hecho más que empezar. Podemos estar seguros de que se va a hablar todavía mucho de The last circus (pinchar), el título que le han puesto allí), y de que no va a ser ignorada cuando empiece la carrera de nominaciones una vez termine la temporada estival.

Desde El blog de Scotty nos alegramos especialmente ya que días antes de que comenzara su recorrido por las pantallas españolas tuvimos la suerte de asistir al preestreno que tuvo lugar en Alicante y nos mostramos entusiasmados con la película (ver pinchando aquí).

Pese a que fue contestada por parte de la crítica y el público español, me congratulo muy especialmente porque pienso que la película se lo merece y porque el tiempo nos está dando la razón a los que dijimos, con El Blog de Scotty a la cabeza, que estábamos ante una de la mejor película del cine español de los últimos años.

Suerte para Balada triste de trompeta o, si se quiere, The last circus.

Todo es silencio (Rodajes en Ciudad de la Luz)

2011-08-17T13:41:00.003+02:00

El próximo 29 de Agosto comenzará en Galicia, el rodaje de la nueva película de José Luis Cuerda, "Todo es silencio".

Estará rotagonizada por Quim Gutiérrez, Miguel Ángel Silvestre, Celia Freijeiro, Juan Diego y Xoque Carvajal.
Escrita por Manuel Rivas, el guión de "Todo es silencio" ha sido convertido en novela. José Luis Cuerda ha considerado que se trata de una de las mejores historias del escritor gallego.

El rodaje se desarrollará en Galicia y posteriormente en los Estudios de Ciudad de la Luz (Alicante)

Una producción de Milou films, Tornasol films, Castafiore films, Zebra producción y Foresta films, que cuenta con la participación de TVE, Canal + y TV de Galicia, así como con el patrocinio de Ciudad de la Luz – Generalit Valenciana.

Un grupo de jóvenes amigos descubre el secreto de Noitía -el contrabando-, que admira al gran capo, Mariscal. La ley en este mundillo es no ver ni oír. La boca está para callar. Su poder se extiende con el narcotráfico y lo envenena todo.

El destino de los jóvenes será enfrentarse a los acontecimientos con la violencia. Les queda el refugio de los recuerdos y los amores oculto para resistir. Pero...

José Luis Cuerda y Manuel Rivas están llamados a conformar el tándem más representativo y potente del actual cine español. La comunión entre ambos quedó bien patente en los excelentes resultados que obtuvieron en "La lengua de las mariposas", una de las películas españolas más potentes de la última década.